RO Galería de Arte en LimaPhoto2011

Inauguración être MADI: Lorena Faccio y Gaël Bourmaud

Los artistas Lorena Faccio (argentina) y Gaël Bourmaud (francés) plantean hacer en RO Galería de Arte una reinterpretación del arte MADI en este nuevo siglo y proponen vivir, ser, estar, permanecer en MADI. La exposición contará no solo con pinturas y dibujos sino con una ambientación MADI que los visitantes podrán transitar.

Esta exposición simboliza la relación entre ambas capitales y el arte MADI será el lazo que unirá artísticamente estas dos culturas. Recrearán el puente entre Buenos Aires y París que trazó Carmelo Arden Quin al abandonar nuestro país y establecerse en París en 1948 hasta su muerte en 2010. Esta exposición tendrá también una dimensión homenaje a Carmelo quien ha influido con sus reflexiones en un gran número de artistas que forman parte del Movimiento MADI Internacional al que Lorena y Gaël también pertenecen.

Inauguración 5 de agosto 19h

Los esperamos!

Alicia Antich: Cancha de trompos

Obra lúdica seleccionada en la Bienal Nacional de Arte Bahía Blanca 2011

Cancha es una voz quechua. Significa recinto.

En general: espacio, terreno, local o sitio llano o desembarazado.

Cancha de trompos es un recinto portátil, de mesa, lúdico y participativo.

Se ha planteado para seis trompos de tinta, con espacio para los tinteros, los sellos

de los sitios donde actuará y, debajo, estante para las hojas que se usarán en la experiencia.

Reglas de juego:

1. Pueden participar tantos jugadores como trompos.
2. Elegir un trompo y accionarlo manualmente en la cancha, sobre el papel sellado.
3. Retirarlo del campo cuando se pare y constar en la hoja:color de trompo, nombre y tiempo.
4. El 2º jugador elegirá otro trompo que accionará ídem al anterior y así sucesivamente.
5. Ganará el jugador cuyo trompo haya realizado mayo número de trazos según el tiempo de giro.
6. Cada jugador podrá realizar hasta tres intentos.

Elementos:

-una cancha de madera de 55 x 55 x 20 cm aprox. con espacio para trompos, tinteros, sellos. Con estante debajo para

los papeles que se usarán en la experiencia.

-cinco trompos de cristal soplado. Cinco tinteros ídem.

-tinta de colores. Papeles Conqueror de 1340 gr a medida de la cancha.

-un medidor de tiempo. Un lápiz.

Realizado en enero 2011.

Carlos Alonso - Pasteles (1990-2010)

Durante Julio los esperamos con una exposición de pasteles de Carlos Alonso que recorre varias de sus series más conocidas: obras de temática social, paisajes de Unquillo, el pintor y la modelo... y otros.

Fin de la Torre de Babel de Marta Minujin

Universos Paralelos: Texto de Catálogo

“Y, como ayuda de lo que verdaderamente es,
hay un razonamiento exacto y verdadero que dice que en tanto una cosa es una
cosa y otra vez, ninguna de las dos puede existir nunca en la otra, de modo tal
que sean una única cosa idéntica y dos a la vez.”

Platón, Timeo 52 c - d

Dos artistas entablan un diálogo sobre la existencia y toman café.
Hacen esfuerzos por ordenar las palabras de manera que coincidan lo más exactamente posible con sus ideas, que giran con las cucharitas al mezclar el azúcar. Imágenes destellan en ambas mentes y se proyecta en el espacio cada modelo imaginado. Modos de ver, tal vez opuestos, se encuentran, complementándose. Configurando una imagen que se abre y se despliega. Todo el universo inabarcable se hace accesible a la vez que se oculta. Los esfuerzos por comprender encuentran sus propios límites. Pero la percepción de pertenecer a ese mismo universo que se contempla permite encontrar en la relación de las partes, huellas latentes de un todo que ya se manifiesta en cada detalle. Así los artistas, con su repertorio de imágenes, encuentran caminos para otear lo inefable.Transcurren los días y los meses; el intercambio de bocetos y las charlas. Finalmente acomodan los papeles donde se esboza un proyecto y sus varias etapas. Encuentran un libro: el “Timeo” de Platón y su explicación de la constitución del universo, donde el filósofo griego se explaya en la relación entre los cuatro elementos y los cuerpos geométricos regulares. La estructura íntima del fuego es el tetraedro, la del aire el octaedro, la del agua el icosaedro, la de la tierra el cubo. Pero estos cuerpos son cinco y a la hora de nombrar al último, su palabra se hace esquiva, limitada para las certezas, poética. El dodecaedro despliega su fascinación y sus caras entagonales se disponen como soportes en series de doce para aquellas imágenes intuidas. El pentágono y sus áureas proporciones, como posible modelo de perfección y equilibrio, es llevado por Platón, en el dodecaedro, a modelo explicativo del universo en una única frase: Puesto que todavía había una quinta composición, el dios la utilizó para el universo cuando lo pintó. Platón, Timeo 55c Así el dodecaedro, su estructura de cuerpo geométrico, su despliegue como figura en el plano -que permitiría que los doce pentágonos lo vuelvan a armar-, se transforma en ejercicio plástico y creativo que interpela la propia vida del hombre, que intenta desentrañar desde sus manipulaciones un secreto orden que, aunque se le presenta como misterio, intuye posible. El uso plástico y material de la geometría, puede remitir a conceptos ideales al presentar su exacta estructura a nuestra percepción. Más acá, en lo terrenal, dialoga con la diversidad con que la realidad nos muestra sus facetas. En cada pentágono surge una estructura única como metáfora de esa diversidad que compone la existencia. Giovanetti propone sus óvalos, que aluden a una realidad abstracta que parte de una
interpretación del universo, una relación de magnitud global. Espinosa profiere palabras e imágenes que se concretizan en el plano de lo humano como presencia viva en ese universo. Los pentágonos se muestran relacionados y a la vez diferenciados entre sí, conservando su individualidad como módulos reemplazables.“Universos Paralelos” sugiere realidades que no se cruzan o confunden, pero también alude a ámbitos que pueden coexistir sin invadirse, desarrollando elementos diferenciales que inmediatamente se conectan al vincularse en la posibilidad de un todo.
La geometría aparece como estructura profunda capaz de sostener las expresiones más diversas; la manifestación y concreción en acto de las potencias de la diversidad. Cada pentágono muestra un mundo, cada mundo se conecta con otros undos. Podemos imaginar esa geometría presente en lo más profundo de la realidad, sosteniendo e interpelando las estructuras materiales, espirituales y sociales; ofreciéndose a la conciencia humana como un lugar para pensarse.

Miguel Angel Giovanetti
Las líneas rectas del perímetro del pentágono adquieren dinamismo al no alinearse en una grilla ortogonal. Dialogan en un contrapunto entre la regularidad que compone a la figura y la irregularidad con la que se vinculan con el espacio bidimensional debido a la inclinación de sus ángulos obtusos. Al unirse dos pentágonos el segundo debe realizar un giro para compartir un lado y así con un tercero y un cuarto. A diferencia del hexágono o el cuadrado que pueden constituir una malla infinita.En trabajos anteriores, la figura generadora del óvalo aparecía completa en la superficie de la tela y en la unión, al cruzarse distintos óvalos se pintaban las superficies que nacían de esos vértices. Para abordar cada pentágono Giovanetti aumenta el tamaño del óvalo para darle mayor dinámica. Lo curvo confronta a lo recto. El óvalo es un desestabilizador puede tomar cualquier figura y cargarla de energía manifestándose como la vida misma contrapuesta a la organizacion matemática sin abandonar en ningún momento el terreno de la geometría. En cada superficie aparecen fragmentos de óvalos de grandes dimensiones que también se cruzan pintando contrastes de fríos y cálidos en las intersecciones. Geometría abstracta pura que da importancia al fondo sobre el que transita. La precisión de cada pentágono del dodecaedro es desarticulada y dinamizada por la aparición de los óvalos. Cada figura puede unirse por distintos lados generando relaciones casuales: fondo-fondo, fondo-figura, figura-figura. Como imagen, el óvalo está plasmando en el trayecto una escritura abstracta que a su paso impone una explosión de color.En ese juego estético se refleja la movilidad elíptica del
universo.

Luis Espinosa
La palabra concentra todo el esfuerzo de sostener significados que permitan clarificar la conciencia sobre el mundo. En el desarrollo del dodecaedro ingresan en lo plástico, palabra e imágenes, en busca de resonancias. Tarea que igualmente resulta esquiva. Sólo es posible reordenar algunos códigos, descifrar indicios, proyectar hipótesis. El texto en griego resulta un homenaje al idioma primario, al gen etimológico. Las palabras de Platón no se leen como frase en su contenido semántico sino como frase-forma. Adquieren la potencia de imágenes, devienen hecho plástico cuando la forma y el contenido es la letra. Aparecen fragmentadas, sin atender a las reglas de la lectura ni al empuje de la fuerza de gravedad. Levitan superponiéndose a las imágenes pero aún retienen la alineación geométrica del renglón. La imagen surge de la palabra misma. Los procesos de la vida y del conocimiento en el nudo de la dimensión existencial humana llaman la atención
desde los dibujos explicativos con que la ciencia pretende acercarse al saber. La misma limitación de esos sistemas para agotar la complejidad de la experiencia contrasta con la confianza con que los abordamos. La flecha, la sigla, la fórmula, el gráfico despliegan signos que apuntan hacia una realidad, señalándola. Aluden a la vida en el planeta y a su procesos de modificación. La diversidad fito-zoológica, el experimento químico, los procesos tecnológicos,
ejemplifican la evolución del hombre que es el que, a su vez, pone la palabra y trata de comprender. Dentro del pentágono constituyen una unidad multívoca a la espera de la mirada que le otorgue sentido.

Luis Espinosa

Cerró arteBA'11!!

Gracias por acompañarnos, esperamos que hayan disfrutado la feria y les haya gustado nuestra propuesta para este año. Nos empezamos a preparar para el próximo!!!

Los esperamos en arteBA'11 stand F47

Universos Paralelos: Miguel Angel Giovanetti + Luis Espinosa. Inauguración 28 de abril, 19h

Texto de Catálogo: Sany Pereyra Iraola

Secreto de Tramas

Al observar una partitura de Mozart llama la atención el manuscrito fluido, exacto, limpio. Nos dicen, los biógrafos o el mito, que el compositor escribía así los originales de su música, sin enmiendas ni tachaduras. Cada nota arrojada sobre el pentagrama con la más certera convicción de que ocuparía el perfecto lugar en la obra.

La explicación subsiguiente apela a la idea de que toda su música sonaba ya en su “cabeza” y que simplemente transcribía aquello que “escuchaba”. Si sabemos que el sonido es una onda vibratoria producida por un movimiento mecánico y que se propaga a través del aire podemos entender que al terminar la impecable escritura, la música, inexistente aún como hecho físico, había existido sólo como idea en su mente. En el siglo XX, Sol Lewitt hablará de “concepto”.

Sany Pereyra Iraola trabaja sobre una idea que luego nos hará llegar como huella, en un proceso de materialización, en un esfuerzo de hacer perceptible, comunicable, una captación intelectual del mundo. Lo que finalmente el espectador encuentra no es el objeto-obra en sí, sino una serie de nodos o señales que remiten a la demarcación de un camino, un espacio. Indicios que nos permiten desandar el camino para llegar a la fuente.

Sany diseña los Tejolinks, módulos que compondrán un todo mutable, con posibilidad de crecer orgánicamente al multiplicarse. Cada uno de ellos, una vez diseñado para existir visualmente, puede reproducirse o cambiar de escala y color.

Al nombrarlos pareciera estar indicando algo más para que podamos acercarnos a comprender en profundidad. Un tejo es una pieza circular utilizada para distintos juegos. Link significa conexión.

Cada Tejolink sería entonces un punto de conexión que invita al juego, a poner en juego.

Al llamar nuestra atención sobre su propio diseño -que combina, formas a la vez construidas con curvas y otros círculos, pintadas con dos o tres colores planos-, cada punto se carga de una energía pero es imposible que se resuelva en sí mismo porque inmediatamente hay otro punto que impone su presencia. Reforzado por la igualdad de diseño se genera un puente, una conexión entre ellos, y así, sucesivamente con el resto.

La conexión se vuelve red y sin que estemos prevenidos, involucra un aspecto estructural inmaterial que termina siendo esencial al origen de todo el proceso. Esta red invisible que sostiene a los Tejolinks relacionándolos como notas musicales, se comienza a percibir como la trama de una partitura donde cada módulo define coordenadas. Así la alineación horizontal planteará línea melódica y la superposición vertical, acorde o cluster. Esto transforma en parte de la obra cualquier espacio donde ésta se monte: pared, piso, techo. Toda arquitectura o sitio, cualquiera sea su tamaño, quedarán conectados en estos intercambios de energía.

El permiso de juego invita al espectador -que ahora es partícipe como garante de la conexión- a leer estos pentagramas y a sostener la partitura como concepto: La idea de una música en la mente.

En la experiencia nos abrimos, expandimos nuestra conexión con el mundo hacia afuera con la posibilidad de atisbar un infinito.

Luis Espinosa

Texto de Catálogo: Jeannette von Gerstenberg

Tramas de Secreto

Un telar de cintura, el cuerpo de una mujer sosteniendo la urdimbre, cantándole a la misma divinidad que atiende sus partos sobre el mismo suelo en que ahora ve nacer el tejido. En la destreza de sus manos ancestrales se despliega el secreto de toda la humanidad cantándole a la vida. Cada fibra, teñida con el caldo caliente de una corteza, de una raíz o un tallo, con la tinta del insecto o el mineral extraído de la piedra. Cada fibra retorcida con las yemas, devanada sobre el eje de la misma existencia. La tela resultante, abriga a través de los siglos, rastros de todo ritual de los seres humanos destinado a seguir tejiendo comunidades.

Jeannette von Gerstenberg, viajera, toma testimonio del trabajo textil de distintos pueblos originarios de nuestro continente y comienza su ritual transformador sobre esas mismas telas que portan el secreto en su trama. Pero no se trata aquí de revelar secretos. Lo que va a permanecer oculto es indescifrable. La acción de la artista sólo buscará intuir y nos pondrá delante de esa magnífica experiencia de purificación que ofrece todo ritual.

Jeannette se desprende de una figuración de horizontes para ser absorbida por completo por la porosidad de una tierra que lejos de mostrarse oscura se revela en la vitalidad del color y en la atracción de la fuerza de gravedad. Donde hubo una nube queda la huella vertical de una lluvia fecunda donde cada gota ha penetrado la profundidad.

El ritual se estructura en dos fases. La primera podría llamarse “presentación” y es la que trabaja con el primer registro del encuentro con la sabiduría textil indígena. No es la tela en sí, sino la fotografía de la tela que es tratada a su vez como material textil. Las hebras de papel se disponen verticales, yuxtapuestas. Los grados de luminosidad y color se van ordenando en función de una composición horizontal. Y es justamente ésta, la solución plástica que re-presenta la esencia del tejido original. El ojo se encarga de reproducir, en vertical y horizontal, el tejido que ya no aparece como artesanía en el mercado sino que transforma al mismo espectador en telar vivo.

La segunda fase sería la “transmutación”. Está signada por la traducción pictórica de lo que la textura de papel ofrecía. Es el óleo -sus pigmentos minerales- el que dispone aquí trazados de color, su vibración. En ocasiones ordenando expresivas líneas verticales que se deshacen y reaparecen; en otras la trama se manifiesta en la visibilidad de los puntos que la componen.

Este cambio de naturaleza no sólo se produce en la obra; todo ritual implica un cambio profundo en sus participantes.

Ya dentro del espectador -que ahora es partícipe como telar vivo- el tejido regresa a la tierra de donde había salido llevándonos a ser tierra en el sentido más profundo de comunión humana con la naturaleza.

Algo se concentra en estas obras y en nosotros cuando las percibimos, una dimensión de conexión hacia adentro, hacia el nudo más apretado de nuestra
esencia.

Luis Espinosa

Sany Pereyra Iraola + Jeannette von Gerstenberg

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Sany Pereyra Iraola
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Jeannette von Gerstenberg
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Empezamos el 2011: Inauguración Sany Pereyra Iraola y Jeannette von Gerstenberg

Los esperamos el viernes 18 de marzo a las 19hs!

Grupo 6/HOY

Gracias por acompañarnos!

Los esperamos el jueves 11 de noviembre 19hs.

Visita virtual: en el Bosque de Marina Curci

en el Bosque - Marina Curci: texto de catálogo por Guillermo Roux

Sobre la pintura de Marina Curci

Acercarnos a la pintura de Marina Curci es querer aferrar lo que parecen ser hojas, flores, matorrales enmarañados.
Es querer desentrañar lo que estamos viendo y de esta manera acercarnos a un rincón de naturaleza poetizada.
Creo que, sin embargo, lo que Marina pinta está tan lejos de nosotros que esa naturaleza se nos escapa sumergiéndose en un indescriptible mar.
Para mi es difícil sentir que el agua no pasa entre los tallos, las flores, las hojas.
Esta pintura no es un pedazo de la realidad, aunque comience en ella.
Marina nos describe un mundo encantado, tejido por un laberinto que lo ata y lo desata.
Arabescos que crecen transformados en puro juego de la imaginación, arabescos que parecen enroscarse en nuestros sueños, arabescos que parecieran cerrar horizontes al mismo tiempo que abren otros, donde lo luminoso del rayo de sol queda atrapado. Y al lado, las profundidades en las que parece hundirse esa maleza.
Es en esta vegetación fantástica donde el imposible se junta con lo verdadero, temblando de oscura o luminosa emoción. Y podemos imaginarla dentro de lo humano; es entonces que esas imágenes tienen la atracción de lo desconocido.
Entramos a estos laberintos atraídos por lo que parece simple y nos encontramos con sombras crepusculares, donde conviven el encanto de lo velado y la complejidad de lo opaco sin sonido.
Sólo una pintura en la que canta la vida de otros mundos.
Sé que en el Sur de Buenos Aires donde vive Marina no está Atenas ni hay Olimpos ni hay míticos bosques poblados en sus laderas. No están ni los Teseos ni los Filóstratos, tampoco los Puck ni las Elenas ni los Oberones. Pero seguro que hay hadas confundidas con luciérnagas en las noches de verano. Hadas que habitan el laberinto para que las luces del día no quemen sus alas.
Y de noche, en esas noches de verano quizás puedan dejar caer lágrimas como rocío.
Y "…sobre el llano de la colina, entre arbustos y moras silvestres, sobre el parque y el cercado, por entre el agua y el fuego, vagan por todas partes, más rápidas que la esfera de la luna, sirviendo de rocío al césped, los rastros que dejan los bailes de la Reina de las Hadas. Las altas velloritas son las pasionarias de las Hadas y se ven manchas en sus mantos de oro: son los rubíes, ofrendas de Hadas y en sus motas rojizas residen los perfumes.
Allí el Hada debe buscar las gotas de rocío y prender una perla en la oreja de cada prímula. Y entonces, cuando nos parece que todo lo representado va a ser nuestro, llega el momento del adiós. ¡Adiós tú, el más grave de los espíritus! Tengo que partir. Y allí se van las Hadas con todo su séquito…"*
No estamos seguros de que volverá junto con los hados, porque todo pasa.
El intento de aferrar tan resbaladiza poesía como es la de esta pintura puede llevarnos a tocar las alas de la libélula, que no acepta encierros ni doctrina ni cerrados laberintos, sólo conoce la alegría del rocío en una luminosa noche de sueño de verano.

Guillermo Roux
Septiembre de 2010

*W. Shakespeare, del acto II, escena I (Un bosque cerca de Atenas), Sueño de una noche de verano, diálogo del Hada con Puck

en el Bosque - Marina Curci: inauguración 7 de octubre 19hs.

RO Galería de Arte presenta la exposición en el bosque de la artista plástica Marina Curci. En esta oportunidad presenta una serie de acuarelas, carbonillas y temples de cera mostrando desde su particular punto de vista una serie de “naturalezas vivas”.
En sus obras evita la tradicional vista a vuelo de pájaro, abarcadora y omnipresente, y prefiere una mirada que construye de abajo hacia arriba, para llevar a espectador a un pequeño espacio de recogimiento. De esta forma, la naturaleza se despliega, se multiplica y se espesa en nuestros ojos.
Marina trabaja con el amor a la cocina del arte, moliendo los pigmentos y fabricando sus propias carbonillas con madera de sauce. Es una pintora de oficio, celosa de las técnicas y de manufactura delicada y sutil.

Piel Social: texto Andrea Saltzman

El trabajo de Patricia Linenberg es un trabajo de entramado. A partir de su obra Patricia teje su propia histoira. En ese hacer se entrelaza su presente de artista y terapeuta. Pero también la historia de su padre, el teatro, la música, la danza, la inmigración, el amor, el dolor, la persecución, pero fundamentalmente el festejo. Ella festeja la vida. El encuentro, los vínculos, por eso refiere a la piel. Ese límite que marca la continuidad entre uno y el mundo.
Habla de gestos y de huellas de ese doble registro de interioridad y exterioridad.
Aquí no existe un tiempo cronológico los hechos se yuxtaponen así como sus imágenes
configurando un presente continuo.
A través de su encuentro con el teatro comunitario Linenberg proyecta la ilusión de visualizar esa piel invisible que se teje en la trama social.
En realidad ella refiere a esa continuidad intangible de un ser en el otro. De ser junto con el otro. De solidaridad.
Toda historia personal es básicamente una historia de piel, pero toda historia personal es esencialmente una historia social.
La piel es ese borde difuso, desdibujado, en el cual lo privado y lo público cobran vida. Su trabajo se instala en esa arista misteriosa y vital que refiere a la vida misma.

Ex-Data: Carlos Trilnick en el Centro Cultural Recoleta

Inauguración: Jueves 2 de septiembre 19hs.