RO blog

Participamos de SCOPE Miami

2011-11-30T15:52:00.001-03:00

ULTIMA EXPOSICION DEL AÑO: Alicia Antich: Ensayo sobre el movimiento continuo

2011-11-21T13:58:00.001-03:00

Enla propuesta que presenta el miércoles 23 a las 19 hs. en RO Galería de arte Alicia Antich invita ajugar al espectador con dos instalaciones: Canchade ensayo donde pueden ensayar su destreza antes de pasar a la Cancha de trompos, recinto donde lostrompos de cristal que contienen tintas de colores van dejando la huella de sugiro en papeles, giros en los que influye tanto la ley física como el azar.

Seexponen además dos mecanismos cinéticos con lápices de carpintero: Lápiz trabajador I y Lápiz trabajador II, y una instalación: Artes y Oficios, realizada con 90lápices con ampolletas de cristal soplado que contienen objetos varios.

Seproyectará, además, un video con registro de las acciones en la Cancha… la primera de las cuales fuerealizada para la Bienal Nacional del Museo de Arte Contemporáneo de BahíaBlanca.

Exposición solidaria a beneficio de Proyecto Surcos

2011-11-15T13:55:00.000-03:00

Proyecto Surcos somos una Asociación Civilque contribuye a disminuir las inequidades en materia de salud en las zonas másvulnerables de nuestro país.

La fotógrafa Inés Miguens viajó a Chaco yMisiones acompañando a Proyecto Surcos y retratando las comunidades en las quedesarrollamos nuestras actividades. Posteriormente, donó las fotos que hoy seexponen en RO Galería de Arte para venderlas a total beneficio de los programasde Proyecto Surcos.

“Quisimos mostrar algo distinto a lo que seve. Frente a las personas en condiciones de pobreza se corre el riesgo dedesignarlas por lo que no tienen o no pueden y perder de vista sus recursos, suenorme dignidad; y la gran cantidad de fuerza y resistencia que se necesitapara sobrevivir en condiciones tan adversas.”

Dra.Alejandra Sánchez Cabezas

Presidente de Proyecto Surcos.

Proyecto Surcos para la Promoción de laSalud Asoc. Civil

www.proyectosurcos.org

Twitter: @proyectosurcos Facebook: ProyectoSurcos

Texto de Verónica Gómez sobre la exposición de Camilo Guinot "Movil recurrente"

2011-11-01T13:50:00.000-03:00

Porlas ramas

7merodeos por la obra de Camilo Guinot.

“Sime pongo camisa no puedo trabajar, no produzco” - Camilo llegaconcienzudamente a la conclusión. Laproducción de pelusa de ombligo es una actividad sumamente delicada. Por sobretodo, requiere de una ajustadísima y perspicaz elección de los materiales queentrarán en fricción. Un material muy noble, de fino tejido, será inferior auna remera comprada en Once por $ 13,99. Aquí, como suele pasar, menos es más.

Poda Municipal en Mercedes. Lo que para laciudad significaba menos ramas en los árboles y un residuo de montañasvegetales que habría que esquivar en las veredas, para Camilo de 6 años era laoportunidad de transformar su casa en un bosque, acaparando lo que para otrosera desecho. Como en el maravilloso relato de Maurice Sendak, Donde Viven los Monstruos, la fuga de lacasa se produce paradójicamente in situ al devenir el dormitorio en bosque. Lafuga empieza por casa.

III

Taller de Camilo. Al lado de la caja defósforos Tres Patitos crece una florconstruida más que con fósforos con infinita paciencia. La cosa iba a ser uncono. Pero el ínfimo desnivel que provoca la cima redondeada del fósforo seacumula y resultan desvíos y deslices,un diminuto intersticio multiplicándose exponencialmente. Ese espacio vacíoentre los fósforos no tiene una forma que interese pero tiene el poder detorcer el destino de la forma protagónica, del lleno. Así aparecen nervaduras ysub-nervaduras. El objetivo entonces se da a la fuga y la tarea se apreciainfinita, sin puerto. Ya no queda tanclaro hacia donde se dirige la voluntad que ha dejado de ser humana paraconvertirse en voluntad de fósforo, pura voluntad material. La flor se estiradespareja, como un vómito o una explosión, un fuego cuya materia constitutivaes aquello que lo provoca aunque en estado de latencia, diríase que peligrosa:bastaría una decisión radical y un par de segundos para encender un fósforo ypor contagio toda la estructura se vería envuelta en llamas. Corrijo: si digovómito pensarán en algo asqueroso y no quiero darles una idea errónea. La cosaes bella, sensual, coronada aquí y allá por las menudas perlitas rosa Dior queson las cabezas de los fósforos. Una epidermis que por rústica no deja de sersuave y voluptuosa. Me pregunto si Camilo habrá tenido esta misma sensaciónaños atrás, mientras calcaba los lunares de la espalda de su novia. Me preguntotambién, si en el defasaje temporal entre este texto y la inauguración de lamuestra, la flor explosiva se habrá transformado en cualquier otra cosa queechará por tierra todo lo que acabo de decir. No me hago responsable de lo quesuceda en los intersticios. Soy conciente de que un vacío para Camilo esequivalente a un cheque en blanco: puede ser llenado por una abultada cifra deposibilidades.

Provincia de Santa Fe, septiembre de 2010. Al pueblo de San Javierllegó un bicho. El camalote intergaláctico aterrizó en el río. Su cuerpo está hecho de ramas agudas de otroplaneta y su esqueleto sigue las leyes de una matemática misteriosa. Tal vez, como en Los Tommyknockers de Stephen King, donde una nave enterrada en elbosque albergaba seres extraordinarios en estado de hibernación, esta presenciainsoslayable y totémica irrumpiendo en el paisaje trastorne paulatinamente alos pobladores. El extranjero vino para quedarse. Y ya nada será como antes.

Hangares domésticos devoran aviones depapel. La casa es un laboratorio donde se ensayan situaciones que a escala realimplicarían un despliegue tecnológico descomunal. En una especie de land art casero se puede suprimir uncomplejo entero de edificios con sólo pegar pedacitos de cintas de papel en laventana obstruyendo la visión. No es lo que se sabe sino lo que se ve. Eltamaño lo dicta la lejanía. Y la lejanía te vuelve poderoso transformando enmaqueta lo real.

Camilo hurga en alacenas y bibliotecas, lasvacía y reubica su contenido. El criterio es la similitud de forma. Todo loredondo se atrae mutuamente. Objeto busca objeto. Un batallón de platos bajandolas escaleras. Un contingente de libros acostados en el piso.

VII

Adivinar figuras en las manchas de humedadde la pared o entretenerse realizando asociaciones morfológicas caprichosas enla oscuridad del dormitorio- un abrigo y un paraguas colgados de un perchero setransforman en un jorobado asesino- son tareas habituales en los niños…y en losno tan niños. Hay una delgadísima línea que deberemos cruzar para que elmilagro de la metamorfosis tenga lugar. Y esa línea sólo se cruza con fe. Unavez convertidos al animismo no cabrá duda alguna de que una empanada giganterodeada de 5 empanadas más pequeñas sobre un mantel a cuadros en el piso es unaperra alimentando a sus crías.

Epílogo

Quise incluir en este texto divagues,derroteros, ensayos y acciones de Camilo Guinot que no forman necesariamenteparte de la muestra pero integran el corpus de su obra. Quizás porque esdifícil practicar el recorte en una obra que es un organismo, que respira ylate, come y suda y se enamora en distintas escalas y materiales. Una obra quees una forma poética de andar por la vida. La imagen del árbol, de la que losneurólogos se valen también como metáfora del funcionamiento del cerebro, resulta exacta y abarcativa para abordar laobra de Camilo: raíces profundas que se hunden en la tierra para extraer sualimento, un tronco ascendente seguido por un estallido de ramas que sebifurcan repetidas veces hasta configurar un follaje. Un árbol mutando al sonde las estaciones, desde la desnudez invernal que deja la estructura aldescubierto hasta el verano frondoso que da sombra, cobija y oculta otras vidasen su interior. Las raíces, como las ramas, son líneas complejas por sucarácter multitudinario, por sus desvíos impredecibles moldeados por el contextosiempre cambiante. El tronco que las une es una línea simple y solitaria, uncamino sólido que gana altura y espesor con el paso del tiempo.

Verónica Gómez

Septiembrede 2011

Miguel Angel Giovanetti en el Pabellon de las Bellas Artes de la UCA

2011-10-17T18:09:00.002-03:00

Camilo Guinot - Movil Recurrente

2011-10-06T15:42:00.000-03:00

Inauguración 13 de octubre, 19hs.

RO Galería deArte presenta la exposición Móvilrecurrente del artista Camilo Guinot

(Mercedes,1970). Una selección de obras que recorren la fotografía, el video, lainstalación, la escultura y el dibujo, en un guión no lineal, con lacaracterística común de ser generadas apartir de recursos mínimos y austeros, explorando en diversos formatos elentorno inmediato. Sus obras, como la realizada con pelusa de ombligorecolectada diariamente durante un año o las fotografías “encontradas” (unavuelta hacia el objet trouveduchampiano desde el siglo XXI) surgen como producción involuntaria subjetivaque indaga los límites de la subjetividad, así como de la noción de autoría.

En variasocasiones presenta imágenes y formas como resultado de procesos que combinan elazar con reglas autoimpuestas, bajo la premisa: lo que se ve, proviene de loque no se ve.

De la mismaforma, tapando el paisaje urbano con cinta adhesiva, oculta edificios en unasuerte de land art casero y mínimo,sin salir de la habitación (Sin título, 2010, Tercer premio Itaú Cultural,2011).

Como proponeVerónica Gómez: “una obra que es unorganismo, que respira y late, come y suda y se enamora en distintas escalas ymateriales. Una obra que es una forma poética de andar por la vida”.

Dos videos sobre la exposición de Ricardo Roux

2011-09-29T15:30:00.000-03:00

Gracias CanapéTV y EstilosTV!!

Texto de Juan Carlos Romero sobre Ricardo Roux

2011-09-21T15:26:00.000-03:00

La pintura es como un río que desbocado va por la pradera y arrastra todo lo que encuentra a su paso y de esa forma va creando nuevos paisajes como fruto de una energía sin límites.
Esta es la sensación que dan los artistas que crean sus obras aprovechando la fuerza que tienen puesta en sus manos y que saben manejar sus instrumentos con la misma violencia creadora que el río.
Asi también van dejando a su paso todas las marcas necesarias que al final podrán conmover a todo aquel que con su sensibilidad sepa gozar frente a ellas.
Líneas sinuosas, manchas informales e indefinidos planos. Este es el repertorio que se que se va delineando en cada una de las pinturas que como una extravagante cartografía conlleva una única imagen inconfundible y sonora que nos habla a través de sus textos.
Esto es todo lo que vemos y miramos: energía, río, línea, plano, cartografía, sonido, texto y un sinnúmero mas de cualidades para una obra que se fue construyendo a lo largo del tiempo y a través de una práctica incesante y sin descanso.

Es la obra de Ricardo Roux.

Hoy se esta frente a la última producción que lleva a insinuar la presencia de grafismos y textos ocultos en medio del extasiado espacio pleno de color, aun cuando el color parezca estar presente, solamente, como una sutil referencia.
Pensar en la escritura japonesa al ver la obra de Roux y pensar en su familiaridad es una virtud innegable del artista, aunque se deba suponer que esto es sólo pura coincidencia estética. Aunque las coincidencias no son casuales. La obra de Roux siempre estuvo en el camino del arte donde los espacios fueron acertadamente contradictorios y complementarios. Donde la tormenta visible no es un mero accidente sino que ha sido producida en forma intelectual.

El Tao nos conduce a interpretar las bellas imágenes de este artista:

porque con respecto a las cosas
algunas van delante, algunas siguen;
algunas son pura llama, algunas son frías;
algunas son vigorosas; algunas son débiles;
algunas duraderas, algunas frágiles.

juan carlos ROMERO / Bs. As. 09-08-2011

Inaugura Ricardo Roux: 7 de septiembre, 19hs.

2011-09-03T20:01:00.000-03:00

Los esperamos!

Algunas fotos de nuestro stand en LimaPhoto2011

2011-08-17T15:39:00.000-03:00

Participamos con la obra de Emma Livingston, Carlos Trilnick, Camilo Guinot y Marta Minujin.

Muchas gracias Lima, esperamos reencontrarnos el año próximo!

RO Galería de Arte en LimaPhoto2011

2011-08-11T15:41:00.001-03:00

Inauguración être MADI: Lorena Faccio y Gaël Bourmaud

2011-08-02T13:30:00.005-03:00

Los artistas Lorena Faccio (argentina) y Gaël Bourmaud (francés) plantean hacer en RO Galería de Arte una reinterpretación del arte MADI en este nuevo siglo y proponen vivir, ser, estar, permanecer en MADI. La exposición contará no solo con pinturas y dibujos sino con una ambientación MADI que los visitantes podrán transitar.

Esta exposición simboliza la relación entre ambas capitales y el arte MADI será el lazo que unirá artísticamente estas dos culturas. Recrearán el puente entre Buenos Aires y París que trazó Carmelo Arden Quin al abandonar nuestro país y establecerse en París en 1948 hasta su muerte en 2010. Esta exposición tendrá también una dimensión homenaje a Carmelo quien ha influido con sus reflexiones en un gran número de artistas que forman parte del Movimiento MADI Internacional al que Lorena y Gaël también pertenecen.

Inauguración 5 de agosto 19h

Los esperamos!

Alicia Antich: Cancha de trompos

2011-07-07T16:44:00.004-03:00

Obra lúdica seleccionada en la Bienal Nacional de Arte Bahía Blanca 2011

Cancha es una voz quechua. Significa recinto.
En general: espacio, terreno, local o sitio llano o desembarazado.

Cancha de trompos es un recinto portátil, de mesa, lúdico y participativo.
Se ha planteado para seis trompos de tinta, con espacio para los tinteros, los sellos
de los sitios donde actuará y, debajo, estante para las hojas que se usarán en la experiencia.

Reglas de juego:
Pueden participar tantos jugadores como trompos.
Elegir un trompo y accionarlo manualmente en la cancha, sobre el papel sellado.
Retirarlo del campo cuando se pare y constar en la hoja:color de trompo, nombre y tiempo.
El 2º jugador elegirá otro trompo que accionará ídem al anterior y así sucesivamente.
Ganará el jugador cuyo trompo haya realizado mayo número de trazos según el tiempo de giro.
Cada jugador podrá realizar hasta tres intentos.

Elementos:
-una cancha de madera de 55 x 55 x 20 cm aprox. con espacio para trompos, tinteros, sellos. Con estante debajo para

los papeles que se usarán en la experiencia.
-cinco trompos de cristal soplado. Cinco tinteros ídem.
-tinta de colores. Papeles Conqueror de 1340 gr a medida de la cancha.
-un medidor de tiempo. Un lápiz.
Realizado en enero 2011.

Carlos Alonso - Pasteles (1990-2010)

2011-07-06T17:34:00.004-03:00

Durante Julio los esperamos con una exposición de pasteles de Carlos Alonso que recorre varias de sus series más conocidas: obras de temática social, paisajes de Unquillo, el pintor y la modelo... y otros.

Fin de la Torre de Babel de Marta Minujin

2011-06-29T16:54:00.000-03:00

Universos Paralelos: Texto de Catálogo

2011-06-15T17:39:00.000-03:00

“Y, como ayuda de lo que verdaderamente es,
hay un razonamiento exacto y verdadero que dice que en tanto una cosa es una
cosa y otra vez, ninguna de las dos puede existir nunca en la otra, de modo tal
que sean una única cosa idéntica y dos a la vez.”

Platón, Timeo 52 c - d

Dos artistas entablan un diálogo sobre la existencia y toman café.
Hacen esfuerzos por ordenar las palabras de manera que coincidan lo más exactamente posible con sus ideas, que giran con las cucharitas al mezclar el azúcar. Imágenes destellan en ambas mentes y se proyecta en el espacio cada modelo imaginado. Modos de ver, tal vez opuestos, se encuentran, complementándose. Configurando una imagen que se abre y se despliega. Todo el universo inabarcable se hace accesible a la vez que se oculta. Los esfuerzos por comprender encuentran sus propios límites. Pero la percepción de pertenecer a ese mismo universo que se contempla permite encontrar en la relación de las partes, huellas latentes de un todo que ya se manifiesta en cada detalle. Así los artistas, con su repertorio de imágenes, encuentran caminos para otear lo inefable.Transcurren los días y los meses; el intercambio de bocetos y las charlas. Finalmente acomodan los papeles donde se esboza un proyecto y sus varias etapas. Encuentran un libro: el “Timeo” de Platón y su explicación de la constitución del universo, donde el filósofo griego se explaya en la relación entre los cuatro elementos y los cuerpos geométricos regulares. La estructura íntima del fuego es el tetraedro, la del aire el octaedro, la del agua el icosaedro, la de la tierra el cubo. Pero estos cuerpos son cinco y a la hora de nombrar al último, su palabra se hace esquiva, limitada para las certezas, poética. El dodecaedro despliega su fascinación y sus caras entagonales se disponen como soportes en series de doce para aquellas imágenes intuidas. El pentágono y sus áureas proporciones, como posible modelo de perfección y equilibrio, es llevado por Platón, en el dodecaedro, a modelo explicativo del universo en una única frase: Puesto que todavía había una quinta composición, el dios la utilizó para el universo cuando lo pintó. Platón, Timeo 55c Así el dodecaedro, su estructura de cuerpo geométrico, su despliegue como figura en el plano -que permitiría que los doce pentágonos lo vuelvan a armar-, se transforma en ejercicio plástico y creativo que interpela la propia vida del hombre, que intenta desentrañar desde sus manipulaciones un secreto orden que, aunque se le presenta como misterio, intuye posible. El uso plástico y material de la geometría, puede remitir a conceptos ideales al presentar su exacta estructura a nuestra percepción. Más acá, en lo terrenal, dialoga con la diversidad con que la realidad nos muestra sus facetas. En cada pentágono surge una estructura única como metáfora de esa diversidad que compone la existencia. Giovanetti propone sus óvalos, que aluden a una realidad abstracta que parte de una
interpretación del universo, una relación de magnitud global. Espinosa profiere palabras e imágenes que se concretizan en el plano de lo humano como presencia viva en ese universo. Los pentágonos se muestran relacionados y a la vez diferenciados entre sí, conservando su individualidad como módulos reemplazables.“Universos Paralelos” sugiere realidades que no se cruzan o confunden, pero también alude a ámbitos que pueden coexistir sin invadirse, desarrollando elementos diferenciales que inmediatamente se conectan al vincularse en la posibilidad de un todo.
La geometría aparece como estructura profunda capaz de sostener las expresiones más diversas; la manifestación y concreción en acto de las potencias de la diversidad. Cada pentágono muestra un mundo, cada mundo se conecta con otros undos. Podemos imaginar esa geometría presente en lo más profundo de la realidad, sosteniendo e interpelando las estructuras materiales, espirituales y sociales; ofreciéndose a la conciencia humana como un lugar para pensarse.

Miguel Angel Giovanetti
Las líneas rectas del perímetro del pentágono adquieren dinamismo al no alinearse en una grilla ortogonal. Dialogan en un contrapunto entre la regularidad que compone a la figura y la irregularidad con la que se vinculan con el espacio bidimensional debido a la inclinación de sus ángulos obtusos. Al unirse dos pentágonos el segundo debe realizar un giro para compartir un lado y así con un tercero y un cuarto. A diferencia del hexágono o el cuadrado que pueden constituir una malla infinita.En trabajos anteriores, la figura generadora del óvalo aparecía completa en la superficie de la tela y en la unión, al cruzarse distintos óvalos se pintaban las superficies que nacían de esos vértices. Para abordar cada pentágono Giovanetti aumenta el tamaño del óvalo para darle mayor dinámica. Lo curvo confronta a lo recto. El óvalo es un desestabilizador puede tomar cualquier figura y cargarla de energía manifestándose como la vida misma contrapuesta a la organizacion matemática sin abandonar en ningún momento el terreno de la geometría. En cada superficie aparecen fragmentos de óvalos de grandes dimensiones que también se cruzan pintando contrastes de fríos y cálidos en las intersecciones. Geometría abstracta pura que da importancia al fondo sobre el que transita. La precisión de cada pentágono del dodecaedro es desarticulada y dinamizada por la aparición de los óvalos. Cada figura puede unirse por distintos lados generando relaciones casuales: fondo-fondo, fondo-figura, figura-figura. Como imagen, el óvalo está plasmando en el trayecto una escritura abstracta que a su paso impone una explosión de color.En ese juego estético se refleja la movilidad elíptica del
universo.

Luis Espinosa
La palabra concentra todo el esfuerzo de sostener significados que permitan clarificar la conciencia sobre el mundo. En el desarrollo del dodecaedro ingresan en lo plástico, palabra e imágenes, en busca de resonancias. Tarea que igualmente resulta esquiva. Sólo es posible reordenar algunos códigos, descifrar indicios, proyectar hipótesis. El texto en griego resulta un homenaje al idioma primario, al gen etimológico. Las palabras de Platón no se leen como frase en su contenido semántico sino como frase-forma. Adquieren la potencia de imágenes, devienen hecho plástico cuando la forma y el contenido es la letra. Aparecen fragmentadas, sin atender a las reglas de la lectura ni al empuje de la fuerza de gravedad. Levitan superponiéndose a las imágenes pero aún retienen la alineación geométrica del renglón. La imagen surge de la palabra misma. Los procesos de la vida y del conocimiento en el nudo de la dimensión existencial humana llaman la atención
desde los dibujos explicativos con que la ciencia pretende acercarse al saber. La misma limitación de esos sistemas para agotar la complejidad de la experiencia contrasta con la confianza con que los abordamos. La flecha, la sigla, la fórmula, el gráfico despliegan signos que apuntan hacia una realidad, señalándola. Aluden a la vida en el planeta y a su procesos de modificación. La diversidad fito-zoológica, el experimento químico, los procesos tecnológicos,
ejemplifican la evolución del hombre que es el que, a su vez, pone la palabra y trata de comprender. Dentro del pentágono constituyen una unidad multívoca a la espera de la mirada que le otorgue sentido.

Luis Espinosa

Cerró arteBA'11!!

2011-05-27T16:52:00.000-03:00

Gracias por acompañarnos, esperamos que hayan disfrutado la feria y les haya gustado nuestra propuesta para este año. Nos empezamos a preparar para el próximo!!!

Los esperamos en arteBA'11 stand F47

2011-05-18T16:51:00.000-03:00

Universos Paralelos: Miguel Angel Giovanetti + Luis Espinosa. Inauguración 28 de abril, 19h

2011-04-20T13:23:00.000-03:00

Texto de Catálogo: Sany Pereyra Iraola

2011-04-14T13:31:00.000-03:00

Secreto de Tramas

Al observar una partitura de Mozart llama la atención el manuscrito fluido, exacto, limpio. Nos dicen, los biógrafos o el mito, que el compositor escribía así los originales de su música, sin enmiendas ni tachaduras. Cada nota arrojada sobre el pentagrama con la más certera convicción de que ocuparía el perfecto lugar en la obra.

La explicación subsiguiente apela a la idea de que toda su música sonaba ya en su “cabeza” y que simplemente transcribía aquello que “escuchaba”. Si sabemos que el sonido es una onda vibratoria producida por un movimiento mecánico y que se propaga a través del aire podemos entender que al terminar la impecable escritura, la música, inexistente aún como hecho físico, había existido sólo como idea en su mente. En el siglo XX, Sol Lewitt hablará de “concepto”.

Sany Pereyra Iraola trabaja sobre una idea que luego nos hará llegar como huella, en un proceso de materialización, en un esfuerzo de hacer perceptible, comunicable, una captación intelectual del mundo. Lo que finalmente el espectador encuentra no es el objeto-obra en sí, sino una serie de nodos o señales que remiten a la demarcación de un camino, un espacio. Indicios que nos permiten desandar el camino para llegar a la fuente.

Sany diseña los Tejolinks, módulos que compondrán un todo mutable, con posibilidad de crecer orgánicamente al multiplicarse. Cada uno de ellos, una vez diseñado para existir visualmente, puede reproducirse o cambiar de escala y color.

Al nombrarlos pareciera estar indicando algo más para que podamos acercarnos a comprender en profundidad. Un tejo es una pieza circular utilizada para distintos juegos. Link significa conexión.

Cada Tejolink sería entonces un punto de conexión que invita al juego, a poner en juego.

Al llamar nuestra atención sobre su propio diseño -que combina, formas a la vez construidas con curvas y otros círculos, pintadas con dos o tres colores planos-, cada punto se carga de una energía pero es imposible que se resuelva en sí mismo porque inmediatamente hay otro punto que impone su presencia. Reforzado por la igualdad de diseño se genera un puente, una conexión entre ellos, y así, sucesivamente con el resto.

La conexión se vuelve red y sin que estemos prevenidos, involucra un aspecto estructural inmaterial que termina siendo esencial al origen de todo el proceso. Esta red invisible que sostiene a los Tejolinks relacionándolos como notas musicales, se comienza a percibir como la trama de una partitura donde cada módulo define coordenadas. Así la alineación horizontal planteará línea melódica y la superposición vertical, acorde o cluster. Esto transforma en parte de la obra cualquier espacio donde ésta se monte: pared, piso, techo. Toda arquitectura o sitio, cualquiera sea su tamaño, quedarán conectados en estos intercambios de energía.

El permiso de juego invita al espectador -que ahora es partícipe como garante de la conexión- a leer estos pentagramas y a sostener la partitura como concepto: La idea de una música en la mente.

En la experiencia nos abrimos, expandimos nuestra conexión con el mundo hacia afuera con la posibilidad de atisbar un infinito.

Luis Espinosa

Texto de Catálogo: Jeannette von Gerstenberg

2011-04-14T13:25:00.000-03:00

Tramas de Secreto

Un telar de cintura, el cuerpo de una mujer sosteniendo la urdimbre, cantándole a la misma divinidad que atiende sus partos sobre el mismo suelo en que ahora ve nacer el tejido. En la destreza de sus manos ancestrales se despliega el secreto de toda la humanidad cantándole a la vida. Cada fibra, teñida con el caldo caliente de una corteza, de una raíz o un tallo, con la tinta del insecto o el mineral extraído de la piedra. Cada fibra retorcida con las yemas, devanada sobre el eje de la misma existencia. La tela resultante, abriga a través de los siglos, rastros de todo ritual de los seres humanos destinado a seguir tejiendo comunidades.

Jeannette von Gerstenberg, viajera, toma testimonio del trabajo textil de distintos pueblos originarios de nuestro continente y comienza su ritual transformador sobre esas mismas telas que portan el secreto en su trama. Pero no se trata aquí de revelar secretos. Lo que va a permanecer oculto es indescifrable. La acción de la artista sólo buscará intuir y nos pondrá delante de esa magnífica experiencia de purificación que ofrece todo ritual.

Jeannette se desprende de una figuración de horizontes para ser absorbida por completo por la porosidad de una tierra que lejos de mostrarse oscura se revela en la vitalidad del color y en la atracción de la fuerza de gravedad. Donde hubo una nube queda la huella vertical de una lluvia fecunda donde cada gota ha penetrado la profundidad.

El ritual se estructura en dos fases. La primera podría llamarse “presentación” y es la que trabaja con el primer registro del encuentro con la sabiduría textil indígena. No es la tela en sí, sino la fotografía de la tela que es tratada a su vez como material textil. Las hebras de papel se disponen verticales, yuxtapuestas. Los grados de luminosidad y color se van ordenando en función de una composición horizontal. Y es justamente ésta, la solución plástica que re-presenta la esencia del tejido original. El ojo se encarga de reproducir, en vertical y horizontal, el tejido que ya no aparece como artesanía en el mercado sino que transforma al mismo espectador en telar vivo.

La segunda fase sería la “transmutación”. Está signada por la traducción pictórica de lo que la textura de papel ofrecía. Es el óleo -sus pigmentos minerales- el que dispone aquí trazados de color, su vibración. En ocasiones ordenando expresivas líneas verticales que se deshacen y reaparecen; en otras la trama se manifiesta en la visibilidad de los puntos que la componen.

Este cambio de naturaleza no sólo se produce en la obra; todo ritual implica un cambio profundo en sus participantes.

Ya dentro del espectador -que ahora es partícipe como telar vivo- el tejido regresa a la tierra de donde había salido llevándonos a ser tierra en el sentido más profundo de comunión humana con la naturaleza.

Algo se concentra en estas obras y en nosotros cuando las percibimos, una dimensión de conexión hacia adentro, hacia el nudo más apretado de nuestra
esencia.

Luis Espinosa

Sany Pereyra Iraola + Jeannette von Gerstenberg

2011-03-21T16:50:00.006-03:00

¿querés ver los catálogos?

para ver el catálogo de
Sany Pereyra Iraola
[hacé click aqui]

para ver catálogo de
Jeannette von Gerstenberg
[hacé click aqui]

Empezamos el 2011: Inauguración Sany Pereyra Iraola y Jeannette von Gerstenberg

2011-03-14T17:37:00.002-03:00

Los esperamos el viernes 18 de marzo a las 19hs!

Grupo 6/HOY

2010-11-16T17:58:00.001-03:00

Gracias por acompañarnos!

Los esperamos el jueves 11 de noviembre 19hs.

2010-11-06T17:47:00.000-03:00

Visita virtual: en el Bosque de Marina Curci

2010-11-02T13:18:00.001-03:00

en el Bosque - Marina Curci: texto de catálogo por Guillermo Roux

2010-10-18T14:12:00.000-03:00

Sobre la pintura de Marina Curci

Acercarnos a la pintura de Marina Curci es querer aferrar lo que parecen ser hojas, flores, matorrales enmarañados.
Es querer desentrañar lo que estamos viendo y de esta manera acercarnos a un rincón de naturaleza poetizada.
Creo que, sin embargo, lo que Marina pinta está tan lejos de nosotros que esa naturaleza se nos escapa sumergiéndose en un indescriptible mar.
Para mi es difícil sentir que el agua no pasa entre los tallos, las flores, las hojas.
Esta pintura no es un pedazo de la realidad, aunque comience en ella.
Marina nos describe un mundo encantado, tejido por un laberinto que lo ata y lo desata.
Arabescos que crecen transformados en puro juego de la imaginación, arabescos que parecen enroscarse en nuestros sueños, arabescos que parecieran cerrar horizontes al mismo tiempo que abren otros, donde lo luminoso del rayo de sol queda atrapado. Y al lado, las profundidades en las que parece hundirse esa maleza.
Es en esta vegetación fantástica donde el imposible se junta con lo verdadero, temblando de oscura o luminosa emoción. Y podemos imaginarla dentro de lo humano; es entonces que esas imágenes tienen la atracción de lo desconocido.
Entramos a estos laberintos atraídos por lo que parece simple y nos encontramos con sombras crepusculares, donde conviven el encanto de lo velado y la complejidad de lo opaco sin sonido.
Sólo una pintura en la que canta la vida de otros mundos.
Sé que en el Sur de Buenos Aires donde vive Marina no está Atenas ni hay Olimpos ni hay míticos bosques poblados en sus laderas. No están ni los Teseos ni los Filóstratos, tampoco los Puck ni las Elenas ni los Oberones. Pero seguro que hay hadas confundidas con luciérnagas en las noches de verano. Hadas que habitan el laberinto para que las luces del día no quemen sus alas.
Y de noche, en esas noches de verano quizás puedan dejar caer lágrimas como rocío.
Y "…sobre el llano de la colina, entre arbustos y moras silvestres, sobre el parque y el cercado, por entre el agua y el fuego, vagan por todas partes, más rápidas que la esfera de la luna, sirviendo de rocío al césped, los rastros que dejan los bailes de la Reina de las Hadas. Las altas velloritas son las pasionarias de las Hadas y se ven manchas en sus mantos de oro: son los rubíes, ofrendas de Hadas y en sus motas rojizas residen los perfumes.
Allí el Hada debe buscar las gotas de rocío y prender una perla en la oreja de cada prímula. Y entonces, cuando nos parece que todo lo representado va a ser nuestro, llega el momento del adiós. ¡Adiós tú, el más grave de los espíritus! Tengo que partir. Y allí se van las Hadas con todo su séquito…"*
No estamos seguros de que volverá junto con los hados, porque todo pasa.
El intento de aferrar tan resbaladiza poesía como es la de esta pintura puede llevarnos a tocar las alas de la libélula, que no acepta encierros ni doctrina ni cerrados laberintos, sólo conoce la alegría del rocío en una luminosa noche de sueño de verano.

Guillermo Roux
Septiembre de 2010

*W. Shakespeare, del acto II, escena I (Un bosque cerca de Atenas), Sueño de una noche de verano, diálogo del Hada con Puck

en el Bosque - Marina Curci: inauguración 7 de octubre 19hs.

2010-10-05T13:54:00.000-03:00

RO Galería de Arte presenta la exposición en el bosque de la artista plástica Marina Curci. En esta oportunidad presenta una serie de acuarelas, carbonillas y temples de cera mostrando desde su particular punto de vista una serie de “naturalezas vivas”.
En sus obras evita la tradicional vista a vuelo de pájaro, abarcadora y omnipresente, y prefiere una mirada que construye de abajo hacia arriba, para llevar a espectador a un pequeño espacio de recogimiento. De esta forma, la naturaleza se despliega, se multiplica y se espesa en nuestros ojos.
Marina trabaja con el amor a la cocina del arte, moliendo los pigmentos y fabricando sus propias carbonillas con madera de sauce. Es una pintora de oficio, celosa de las técnicas y de manufactura delicada y sutil.

Piel Social: texto Andrea Saltzman

2010-09-13T14:05:00.001-03:00

El trabajo de Patricia Linenberg es un trabajo de entramado. A partir de su obra Patricia teje su propia histoira. En ese hacer se entrelaza su presente de artista y terapeuta. Pero también la historia de su padre, el teatro, la música, la danza, la inmigración, el amor, el dolor, la persecución, pero fundamentalmente el festejo. Ella festeja la vida. El encuentro, los vínculos, por eso refiere a la piel. Ese límite que marca la continuidad entre uno y el mundo.
Habla de gestos y de huellas de ese doble registro de interioridad y exterioridad.
Aquí no existe un tiempo cronológico los hechos se yuxtaponen así como sus imágenes
configurando un presente continuo.
A través de su encuentro con el teatro comunitario Linenberg proyecta la ilusión de visualizar esa piel invisible que se teje en la trama social.
En realidad ella refiere a esa continuidad intangible de un ser en el otro. De ser junto con el otro. De solidaridad.
Toda historia personal es básicamente una historia de piel, pero toda historia personal es esencialmente una historia social.
La piel es ese borde difuso, desdibujado, en el cual lo privado y lo público cobran vida. Su trabajo se instala en esa arista misteriosa y vital que refiere a la vida misma.

Ex-Data: Carlos Trilnick en el Centro Cultural Recoleta

2010-08-31T13:28:00.002-03:00

Inauguración: Jueves 2 de septiembre 19hs.

Inauguración Piel Social de Patricia Linenberg

2010-08-26T12:50:00.004-03:00

En el marco de los XVI Encuentros Abiertos – Festival de la Luz 2010, RO Galería de Arte presenta la exposición Piel Social de la artista Patricia Linenberg, curada por Andrea Saltzman.
Esta muestra es el homenaje que Patricia Linenberg quiere hacerle al Grupo de Teatro Catalinas Sur y a su padre. En las fotografías, trabajadas con superposiciones, se entrelazan los personajes actuales y los pasados, la historia y el presente.
Patricia Linenberg es artista y psicóloga, para esta muestra trabajó desde el concepto de Didier Anzieu sobre el Yo piel, que utiliza esa metáfora para describir la formación del Yo, del Pensamiento y de los Grupos. Así como la piel asegura la unidad del organismo, el Yo legitima a la persona. La piel exterior que nos protege y a la vez nos conecta esta trabajada en las fotografías como un lienzo mostrar las huellas que las relaciones con los demás dejan en nosotros mismos.

Inauguración 27 de Agosto 19hs.
Cierre: 30 de septiembre
Lunes a viernes de 14 a 20 hs.

visita virtual: amabilis insania

2010-08-20T16:55:00.000-03:00

Carlos Trilnick en el Espacio de Arte AMIA

2010-08-03T18:40:00.006-03:00

Todos somos iguales bajo la piel
En fina sintonía con la propuesta de la XVI Edición del Festival de la Luz, Carlos Trilnick, presenta en el Espacio de Arte AMIA el estreno de la videoinstalación “Todos somos iguales bajo la piel”. Es que los “Encuentros Abiertos” de este Festival tienen como eje temático a las migraciones, un tema medular en el mundo contemporáneo y fundacional en el caso de nuestro país. Migrar, irse de un lado a otro, implica siempre una acción desgarradora, contenida sólo por la necesidad de hacerlo y la esperanza de un futuro mejor. En este sentido, la obra de Trilnick plantea en forma lineal una consigna precisa, que no da lugar a equívocos: “Todos somos iguales bajo la piel”. Es que a veces la poesía necesita una dosis de contundencia no tamizada por la sutileza. Las imágenes de esta videoinstalación corresponden a un viaje que realizó a Ushuaia para participar en la Bienal del Fin del Mundo, quizás nuestros abuelos cuando llegaron a la Argentina se hayan sentido así, en el fin del mundo.
Porque, como dijo en 1965 el escritor Carlos Grünberg, estamos inmersos en un mundo poco inteligente y poco tierno, proclive a confundir lo diverso con lo adverso, lo opuesto con lo contrapuesto, lo extraño con lo extravagante, lo otro con lo hostil y con lo aborrecible. Las migraciones en la actualidad son la excusa que algunos encuentran para exteriorizar la discriminación, la intolerancia y la xenofobia. Es por eso que frente al mínimo intento de cualquiera que intente convencernos de que la diversidad atenta contra la identidad y que existen culturas que son incompatibles deberíamos tener a mano, a modo de antídoto, esta obra de Trilnick. Nieto de inmigrantes, los Trilnick desembarcaron en Buenos Aires a fines del siglo XIX y su primer destino fue la colonia agrícola Moisés Ville en la provincia de Santa Fe. Carlos permanentemente refiere a esa experiencia y sobretodo a lo enriquecedor que puede ser un encuentro entre culturas. Y no se trata del mestizaje ni tampoco de la creencia milagrosa del “crisol de razas”: es la posibilidad de compartir lo propio con el otro y construir espacios comunes donde la pertenencia hacia un nuevo lugar no implique la renuncia a las raíces que lo constituyen. En síntesis: unidad en la diversidad, respeto, valoración de las diferencias, y construcción de culturas integradoras. Pero no solamente esta temática tiene la fuerza de la actualidad de la sociedad contemporánea, sino que también podría ser entendida como un guiño para los artistas, en su condición permanente de migrantes. Con elementos simples Carlos Trilnick logra una belleza clara y transparente como el agua, sólo enturbiada cuando
alguien cree que no somos todos iguales bajo la piel.

ELIO KAPSZUK
Director
Espacio de Arte AMIA

Marina Curci en el Museo Quinquela Martín

2010-08-03T18:37:00.002-03:00

amabilis insania: Texto por María Carolina Baulo

2010-07-29T18:41:00.000-03:00

El concepto de Amabilis Insania sale a la luz de la mano Horacio hacia fines del siglo I A.C en su Ars Poetica; concepto que le permite fundamentar los procesos creativos de aquellos poetas que logran mediante su producción artística, elevar la experiencia del receptor a un grado tal que nos llevan, literalmente, a otra dimensión perceptiva. La “insania” a la cual refiere el autor, representa lo opuesto al mundo donde se refugia el psicótico; Lacan supo definirlo como “pajarera de fenómenos”: un espacio donde no hay coherencia posible y mucho menos se da la posibilidad de elevar la experiencia a
grados enriquecedores para el espectador. Por eso la locura del poeta, del artista, actúa como un disparador de sensaciones y nos enaltece.

Artificio, Métrica, Abstracción, Belleza, Ilusionismo, Locura, Inspiración, Sublimidad, Introspección, Numen, Sensibilidad, Aprehensión, Normativa, Imaginación, Arte…

Amabilis Insania Las obras de Mariano González y Camilo Guinot tienden redes en el tiempo y guardan empatía con las palabras del poeta latino. Un trabajo que pareciera ser desquiciante a simple vista, el cual demanda dedicación, rigurosidad, paciencia, sapiencia, disciplina, sistema y una obsesiva tolerancia para el cuidado de los detalles formales relativos a medidas exactas, paleta cromática, relación entre las partes y el todo y fundamentalmente el diálogo entre la idea subyacente y la obra materializada.
Ese trabajo - que a algunos puede parecerles “de locos”, a otros puede sugerirles pensar que es un dictado de la inspiración y un tercer grupo puede entenderlo como el numen que define el poder mágico inherente a los objetos más allá de quien lo hizo - es el producto de dos artistas que se someten a una técnica que les es inherente y la cual requiere de ellos un grado elevadísimo de abstracción del mundo que nos es común a todos –la “beatus ille” para continuar con Horacio-, para habitar ese espacio de introspección donde fluyen como solamente pueden hacerlo unos pocos elegidos. González y Guinot son parte de ese grupo de pocos que traspasan las barreras del rapto creativo, porque aun si fuesen ideas susurradas por las musas al oído, ellos han elegido mantenerse prestos y alertas sin descansar en la confianza que da el “genio”; deciden aprehender todo lo que la sensibilidad puede captar y que es invisible a los
ojos del común de la gente, entrenan la introspección y la imaginación para finalmente dar forma acabada, casi perfecta en método y estructura y construir una ilusión, un artificio de tal belleza que se nos presenta sublime. Y lo sublime, como categoría estética, tiene el poder de identificarnos al máximo con el artista y su proceso creativo; lo paradójico radica en que obras de un nivel de racionalidad extremo como las que producen Mariano Gonzalez y Camilo Guinot, son las encargadas de desestructurar en el espectador cualquier vestigio racionalista para transportarnos a ese nuevo plano de la experiencia que prefigura Horacio. Obras que nos enriquecen, nos hacen sentir el placer estético más allá de las formas y nos conectan con el poder intrínseco del objeto el cual cobra vida aun a pesar de los propios artistas.

Lic. María Carolina Baulo
curadora

Catálogo amabilis insania: Guinot+González

2010-07-16T15:30:00.004-03:00

Inauguración: Guinot+González: Amabilis Insania

2010-07-14T16:09:00.002-03:00

TALLER MARTA MINUJIN - arteBA'10

2010-06-29T15:17:00.000-03:00

Se viene arteBA'10!!!!

2010-06-09T16:55:00.003-03:00

Marta Minujin presenta su taller en arteBA’10 stand F43. Este proyecto es el producto de la unión de dos galeristas, Roxana Olivieri y Loreto Arenas, que aunaron esfuerzos para hacer una muestra monográfica y difundir la obra de esta gran artista Pop que este año participó del Armory Show en New York y realizará en octubre su exposición retrospectiva en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires).

Texto de catálogo: Geometrías 2 por Lucila Amatista

2010-06-06T13:25:00.002-03:00

En octubre del año 2009 RO Galeria de Arte presentó la exposición Geometrías 1, compuesta por obras de trece grandes referentes de la abstracción geométrica de nuestro país. En Geometrías 2, la galería expone un repertorio de obras de siete artistas que trabajan este lenguaje en la actualidad. Las primeras manifestaciones locales de la abstracción vinieron de la mano de artistas como Pettoruti, Xul Solar, Curatella Manes y Del Prete, entre otros, dando paso al movimiento Concreto con la aparición de un grupo de jóvenes artistas que publican la revista Arturo en 1944, y que tras divergencias se dividen y forman las agrupaciones Madí y Asociación Arte Concreto – Invención y posteriormente el Perceptismo. Entre algunos de sus exponentes encontramos a los madistas Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfuss y Gyula Kosice, el concreto Tomás Maldonado y el perceptista Raúl Lozza. Caracteriza a estos movimientos de vanguardia su necesidad de innovación, de ruptura con la tradición y de cambio social a través del arte, los constantes debates, la realización de exposiciones y la publicación de manifiestos y revistas. Consolidándose con el tiempo, la abstracción dio lugar al surgimiento de numerosos grupos con diversas características dentro de la no figuración. A pesar de desarrollarse una tradición en torno a este lenguaje, cada uno de los artistas que integran la exposición produce, desde sus propios intereses e investigaciones, desde sus propias técnicas, obras que suscitan nuevas miradas, nuevas hipótesis y nuevas capas de sentido al camino ya transitado por el arte abstracto nacional.
Trabajando el lenguaje de lo geométrico desde una mirada muy particular, lo resignifican y recontextualizan con sus búsquedas desde la contemporaneidad, aportándole su subjetividad. De este modo, las obras dialogan entre sí y con el legado histórico de la modernidad, generando diversos puntos de conexión y contrapuntos, recorridos y entramados que nos llevan de las incesantes búsquedas pictóricas de Roberto Scafidi y Marcelo Boullosa, a los prolíficos videos inspirados en las culturas precolombinas de Carlos Trilnick, pasando por las obras caladas llenas de movimiento de Irene Banchero, las impecables obras madí de marco recortado de Lorena Faccio, las delicadas tramas que dibujan el espacio de Pilar Ferreira y los bordados de quien aquí escribe. La exposición presenta así un pequeño panorama ecléctico de gran riqueza. Y nos revela que el arte abstracto todavía tiene mucho que dar.

Lucila Amatista
Curadora
Buenos Aires, mayo de 2010

Visita Virtual a Geometrías 2

2010-06-04T19:09:00.002-03:00

Inauguramos mañana Geometrías 2

2010-05-19T17:36:00.004-03:00

Mañana inauguramos la secuela de la muestra Geometrías 1 que realizamos el año pasado. En esta ocasión, reunimos siete artistas geométricos jóvenes: Carlos Trilnick, Lucila Amatista, Irene Bnachero, Roberto Scafidi, Pilar Ferreira Peltzer, Lorena Faccio y Marcelo Boullosa. De esta manera, luego de haber mostrado los artistas históricos, ahora exhibimos la renovación de mano de los artistas de las nuevas generaciones.

Curadora: Lucila Amatista

Los Esperamos!!!

Estamos montando Geometrías 2!

2010-05-18T17:14:00.001-03:00

Visita Virtual: Claudia Ferrari - Anatomía de un paisaje

2010-04-21T18:18:00.004-03:00

Un pequeño recorrido por la muestra:

Vista desde la calle

La pared frontal

Entrando sobre la derecha

Entrando sobre la izquierda

Vista hacia la oficina

Claudia Ferrari: Anatomía de un paisaje - Texto de catálogo por Eduardo Stupía

2010-04-19T15:03:00.000-03:00

El empleo del color al agua inmediatamente impone la evidencia palpable de que lo acuoso será, más que un medio, todo un carácter, un comportamiento temperamental del lenguaje. En el aleteo impalpable que sobrevuela cada uno de estos ensayos líricos, Claudia Ferrari va y viene de la levedad a la precisión; se propone, y logra, evadirse aun cuando parece anclarse en escenas, atmósferas o paisajes, y en todo habrá una cualidad pregnante y a la vez inmaterial. Su única certeza es el instante, ese punto fluctuante de deliberada volubilidad y modulación justa, donde el fenómeno mandatario es la constante transición entre un estado y otro del pigmento, en la mayor o menor densidad del tratamiento, en el contrapunto o conciliación entre la milagrosa inconsistencia sólida del papel de arroz y las propiedades de los recursos puestos.
El estatuto técnico y emocional de la autora transcurre entre la resonancia con tradiciones que ella hace explícitas, como la del sumi-e, así como busca con suficiente autonomía y sensitividad ciertas maneras del territorio impresionista, cerca también de las poéticas abstractas de artistas tan disímiles como Frankenthaler, Wyeth, o Zao Wou-Ki. No obstante, su predilección se concentra claramente en esa zona incierta y misteriosa donde toda familiaridad retrocede frente a la constatación de que la mancha, el gesto controlado, la caligrafía que se transfigura en arquitectura narrativa, y la confluencia de superposiciones, vibraciones, transparencias y capas fluidas de articulación tonal se despliegan como valores absolutos, saludablemente al margen de los acotados límites que instauran las influencias.
Eduardo Stupia

Claudia Ferrari: Anatomía de un paisaje - texto de catálogo por Fabiana Barreda

2010-04-19T15:00:00.001-03:00

El Bosque Sagrado
En el lado este del Kii, cerca de los bosques de
Kumano se encuentra Ise Jingu, El Templo de Ise,
allí se celebra el Shikinen Sengu,
la ceremonia del renacimiento de los árboles del Bosque Sagrado...

El universo estético de Claudia Ferrari se inscribe en este territorio de unión entre la imagen y lo espiritual. Iniciada en el arte japonés en la Tradición del Sumi-e, sus imágenes nos transportan a un viaje donde la naturaleza es el escenario mágico de la representación de un estado trascendente. La contemplación es el primer vínculo subjetivo, la mirada como conexión de un estado interno, donde el paisaje será la materia de proyección. En sus obras "Variaciones de la luz vista desde mi ventana" un paisaje aéreo levita sobre el agua de sus acuarelas. ¿Qué es la Luz en el Agua? La acuarela y el agua son el soporte de lo inmanente, generando la transparencia como inmaterialidad lumínica. La vista de un rio, un bosque son territorios de percepción donde la luz y la respiración, como una forma de meditación, nos nombran el paso del tiempo. Desde una marca ancestral japonesa y con una mirada contemporánea sus piezas se vuelven cada vez mas leves hasta el soporte ahora un papel transparente, permite que la luz tome forma corpórea en el bosque. La serie de las flores acrecienta la sensualidad de las imágenes, como geishas naturales son alegorías de placer. El bosque también puede ser nocturno, otoñal oscuro hasta el mas profundo invierno. Nieve, negro y oro. Estas visiones nevadas nos sumergen en el concepto japonés Mono No Aware, traducible como a una particular sensibilidad a la belleza efímera de las cosas. En estas imágenes el círculo perfecto se ha trazado. Todo renace. Y todo el ciclo de la naturaleza se despliega exuberante en toda la sala blanca de la galeria RO como una caja de cristal. En la cúspide de este ciclo vital emerge el Árbol Dorado, custodiado por mantras, este símbolo da ingreso al Templo de Ise, El Bosque Sagrado. Introspectivos como en un jardín zen o ante el sonido perfecto de un haiku, permanecemos contemplando estos paisajes en un estado de serenidad, en ese instante el arte posee la intensidad sacra de la vida.
Fabiana Barreda
Curadora de la exposición

Los esperamos el 15 de abril!

2010-04-12T14:20:00.000-03:00

Empiezamos el 2010!

2010-03-19T13:10:00.001-03:00

Los invitamos a ver algunas obras nuevas de Marina Curci que están expuestas en la galería como un preview de su próxima muestra.

del 22 de marzo al 9 de marzo. Lunes a viernes de 14 a 20hs.

Felicidades!

2009-12-24T14:18:00.000-03:00

RO galería de Arte les desea
Felices Fiestas!
Que disfruten en buena compañía!

Geometrías I en la Revista Viva

2009-11-14T14:30:00.000-03:00

Montaje Geometrías I

2009-10-15T14:34:00.000-03:00

Una visita virtual por la exposición

Entrando sobre la derecha, Miguel Giovanetti, Juan Melé, Jorge Pereira y la escultura de María Juana Heras Velazco

Una vista desde la oficina hacia la puerta: Eduardo Jonquieres en primer plano, la escultura de María Juana Heras Velazco y la obra de Eduardo Mac Entyre sobre la vidriera.

Un primer plano de la obra op-art de Eduardo Mac Entyre.

Sobre la izquierda Luis Tomasello, sobre la derecha Jorge Pereira y en el centro María Juana Heras Velazco.

Las obras de Victor Magariños D. y Luis Tomasello en la pared frontal de la sala.

Una escultura de Ary Brizzi sobre la vidriera izquierda y la obra de Raúl Mazzoni

Gabriel Messil y Dalmiro Sirabo, mirando desde la puerta hacia la izquierda.

César López Osornio

GALAAC en El Corte Inglés Viajes

2009-10-06T13:58:00.000-03:00

La Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo expondrá obras de sus artistas en las nuevas oficinas de El Corte Ingles Viajes, un precioso petit hotel recuperado y llevado a su máximo explendor.

Elegimos exponer la obra de Leonardo Ciocchini, un joven artista discípulo de Guillermo Roux que trabaja el paisaje urbano.

Los esperamos el 7 de octubre!

2009-10-05T14:22:00.000-03:00

Desde nuestros comienzos en el 2002 nos hemos establecido como una galería de arte con una línea netamente figurativa, presentando más de 40 exposiciones de artistas consagrados, de generación intermedia y jóvenes. En esta oportunidad presentamos una exposición disímil que reúne a trece artistas que trabajan dentro de la geometría.

La aparición en 1944 del único ejemplar editado de la Revista Arturo, marcó no solo el comienzo de las primeras manifestaciones de un arte abstracto en nuestro país sino que además fue el comienzo de un movimiento cultural que definió la historia de las artes plásticas en la década del cuarenta cuya impronta perdura hasta hoy.

Esta exposición, en la que participan grandes maestros del movimiento geométrico histórico como Juan Melé, Victor Magariños, Eduardo Mac Entyre, Luis Tomasello, Ary Brizzi, Eduardo Jonquieres y María Juana Heras Velazco, entre otros, tiene la intención de hacer una aproximación a aquel momento histórico del país, a aquella estética de los años 40 donde las artes plásticas realizan por primera vez un profundo quiebre con su pasado inmediato.

De la misma manera, fueron convocados artistas prestigiosos de generación intermedia como Dalmiro Sirabo, Raúl Mazzoni, Gabriel Messil, Miguel Angel Giovanetti, Jorge Pereira y Cesar López Osornio cuyas obras dialogan y proponen otros puntos de vista y relatos.

Agradecimientos: César López Osornio y Rubén Betbeder

Con el auspicio de Babel Consultoría de Arte

el invierno y el paisaje

2009-06-26T14:54:00.000-03:00

Los esperamos con un sorprendente contrapunto de Marina Curci y Emma Livingston

Inauguramos el 11 de junio!

2009-06-02T16:13:00.000-03:00

"Medir lo Habitable" por Luis Espinosa sobre Miguel Angel Giovanetti

2009-06-01T12:37:00.000-03:00

No toda geometría es no figuración. Ni todo trazo hecho con regla nos remite a las formas puras. Ni la búsqueda de formas puras es superior al encuentro de imágenes que refieren a objetos de la realidad. Ni lo contrario. Ni todos los geométricos se ocupan de lo mismo. Detrás de toda configuración elaborada por un artista habrá una salida al mundo, movida por una necesidad vital y habrá un mundo que responde con la disponibilidad de sus formas.
Cuando Miguel Ángel Giovanetti aborda la creación de estas pinturas no parece estar preocupado por ese tono racional, matemático con el que se tiñen muchas de las obras que los artistas ubican bajo el nombre de Geometrías. Pero él le llama "Geometrías" y produce una contradicción que obliga a esa palabra a desplazarse al terreno de la metáfora.Si uno pretende ver esas pinturas tan sólo como juegos de equilibrio o dinámicas de efectos cinéticos, se está perdiendo ver otros datos que por el lugar que ocupan en la sintaxis, son realmente cruciales a la hora de percibir un sentido.
Me refiero a dos elementos modificadores de lo que se presenta como tema central.Si el tema central, aunque sea provisoriamente, puede nombrarse como eso que observamos ejerciendo la partición matemática del plano.En primer lugar, detrás o debajo de todo lo que vemos como geometría, se extienden unas manchas informes y oscuras que abarcan todo el plano y emergen aquí y allá por transparencia y sin respetar ningún límite.En segundo lugar, la otra modificación incide desde la superficie en forma de frotados o descascarados y esta vez sí, interviniendo las franjas rectas de color, interrumpiéndolas o borroneando sus contornos. Como huella de un uso que produce un desgaste.
Y entre medio de estas capas, profunda y superficial, el objeto, lo modificado:¿Podemos arriesgar aquí que estas geometrías tengan su referente último en un objeto de la experiencia, en un modelo real del cual toman su espíritu?¿No hay suficientes indicios para ver el fantasma de antiguos embaldosados superpuestos en estructuras análogas con retazos de tela o papel estampados, cortados, rasgados irregularmente?¿No juega con el patrón de diseño de una lona o cortina que en sus daños evidencia el paso del tiempo?
Si es así, estamos ante una referencia figurativa, un elemento extractado y recortado de la memoria y forzado a ordenarse como recurso para comprender algo que aún así permanece oculto detrás de su secreto.En el punto exacto entre mostrarse como la cosa que es, anécdota del mundo, figura mimética de una realidad o como una construcción del espíritu, retícula perceptual que busca calzarse con una materia que le permita verse.
Opuesto absolutamente a Mondrian, las estructuras de Giovanetti no se extienden más allá de los límites del cuadro sino que se concentran en ese espacio circunscrito y delimitado donde urge acomodar los elementos para que en un nuevo orden anuncien su razón de ser. Y se acercan a la experiencia humana y sus estados fluctuantes mucho más que a enunciar una realidad formal que sobrevuele esa experiencia casi sin tocarla.
Si la geometría es el arquetipo de la razón dada su capacidad de ordenar y entender, aquí la razón se verifica vulnerada y en su propia transparencia, muestra esa base informe e inconsciente sobre la que se sustenta. Esas manchas oscuras están presentes casi sin que notemos su presencia y testifican un estado primordial de caos.Que es, a la vez, el magma que empuja desde las profundidades.
La memoria ha recortado superficies de la casa, el lugar cotidiano, la referencia cercana de la tierra que se habita. Porque la memoria busca en los datos que posee. Aquellos tomados de la misma experiencia que le ha enseñado a reconocerse, a medirse.Y la geometría nació como la ciencia de medir la Tierra y todo su esfuerzo ha permitido construir nuestras habitaciones en los territorios en los que vivimos.
En su metáfora, Miguel Ángel Giovanetti nos habla de otra tierra inconmensurable, territorio humano, espíritu que busca habitarse resistiendo el deterioro al que sospecha que está finalmente condenado.Pero espera dar el salto, espera la oportunidad de trascenderse, espera poder quebrar el ciclo obligado de su suerte.
Esa tierra, entonces, es interioridad.La mirada percibe en estas obras, la constante vital que la energiza.Mide ese interior, ese terreno, (geo - metría), proyecta la existencia en esa tierra efímera, ordena el espacio caótico donde la vida se mueve, busca y logra.
GEOMETRÍAS:Medición del espacio espiritual habitable.

[publicado en ramona]

Inauguración mañana!

2009-05-06T16:47:00.001-03:00

Crítica sobre Miguel Angel Giovanetti en Ambito Financiero

2009-05-05T17:00:00.000-03:00

El geometrismo sensible de Giovanetti rinde otra prueba

Por: Jorge Glusberg

El jueves a las 19 se inaugurará en la Galería RO (Paraná 1158), dirigida por Roxana Olivieri y Damián Scher, «Geometrías» de Miguel Ángel Giovanetti, que expone obras de «Inside» su última serie abstracto-geométrica caracterizada por su singular elaboración cromática.Desde nuestros primeros contactos con su obra, a fines de los ochenta, en sus participaciones en concursos como el Premio de Pintura Movado-Cayc (1988), hasta hoy, hemos conocido el desarrollo de más de dos décadas de su trayectoria rica en exploraciones cromáticas, arte digital y manipulación de imágenes. En sus distintas series, Giovanetti reflexiona sobre el status de lo real y el papel de la subjetividad en el arte contemporáneo.«Las cosas no son como parecen», sostiene el artista. En los entramados geométricos planteados en la imagen digital de Homenaje a Boccioni (1996), Giovanetti anticipa sus preocupaciones estéticas actuales. En 1999 presentó «Memor-oris», exposición en la que desarrolló una serie en torno al retrato de Umberto Boccioni uno de los heraldos del futurismo italiano, que en la cabalgata de las vanguardias históricas, la primera que se presenta como tal, con su programa y sus teorías, sus luchas y sus polémicas. Y es también la primera en exaltar la vida moderna y la revolución tecnológica.El ideólogo y animador del Futurismo es un poeta, Filippo Marinetti, lamentablemente fascista, que anuncia la llegada de este movimiento pluridisciplinario a comienzos del 1909. Sus líderes son, además de Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severino, Carlos Carrá y Luigi Russolo, firmantes de los dos manifiestos aparecidos en Milán en 1910. En ambos escritos, surge el rechazo al pasado y la visión ardorosa de la actualidad.El movimiento es la obsesión de los pintores futuristas. A la descomposición de las formas a través de la luz y el color, tomada del puntillismo, los futuristas unen la estructuración en planos seguida por los cubistas, para representar de ese modo al movimiento y la simultaneidad. Los futuristas apuestan a la agresividad cromática.«La máquina, la luz eléctrica y su reverberación en las ciudades, proyecta el pensamiento hacia la era electrónica. Así el plano virtual - que el futurismo lanza al espacio con sus líneas de fuerza- sufre una apropiación en la obra de Giovanetti», escribió Rosa Faccaro en el prólogo a su muestra actual. En 1998, en el Centro Cultural Recoleta expuso «Restitución de la Memoria». «La memoria es el eje omnipresente de sus primeras indagaciones de la gráfica, como en un nuevo tipo de figuración creado a partir de registros arquitectónicos de gran contraste», señaló sobre aquella muestra la crítica Adriana Herrera en «Revista Artes» de Santo Domingo.En 2006 en la Galería Chelsea de Miami, Florida, presentó «Fragmentos», con series que logran efectos de movimiento por medio de la reconstrucción y superposición de fragmentos. Giovanetti nació en Buenos Aires en 1948. Entre otras muestras se destacan «Missing», en el Stockhausen Museum de Alemania (1995); «2° Biennial Exhibit of Contemporary Latin-American Art», en el Cornell Museum of Art, Florida (2002), y en el Museum of Latín American Art, Long Beach, California (2007).Luego de una larga trayectoria en la que ha transitado de la figuración a la abstracción, en sus últimas series Giovanetti ha ido eliminando los elementos narrativos de su obra y se ha ido centrando en su singular abstracción geométrica. Los historiadores coinciden en que fue Vasili Kandinsky quien, hacia 1910, abolió los últimos vestigios de la figuración pictórica, y toman a una acuarela suya como el nacimiento del arte abstracto (también llamado no representativo, no objetivo o no figurativo).En 1913, en Moscú, también ciudad natal de Kandinsky, iniciaba Kasimir Malevich un nuevo camino con su Cuadrado negro sobre fondo blanco. La abstracción geométrica, realizada por las más antiguas civilizaciones humanas y también por las más recientes de la vieja América, entra en el arte de Occidente desde el Este, la Rusia de 1913, donde Malevich la rescata en términos estéticos y religiosos. El Constructivismo soviético, el Neoplasticismo holandés, los desarrollos del Bauhaus alemán y el Arte Concreto europeo de la década del 30, son las etapas posteriores.Veinte años después de la muestra de Pettoruti (1924), y bajo la influencia del uruguayo Joaquín Torres García, aparece en la Argentina la geometría de la cual derivan el Concretismo, el Movimiento Madí (1944) y el Perceptismo (1945 a 1947). Con estos creadores locales nace el arte experimental y la teoría de la pintura. La tendencia continúa en la década del 60 con el arte óptico (Op Art), el cinético y la llamada Nueva abstracción (Hard edge), una variante del arte geométrico que anuncia el Minimalismo.Mientras tanto, se fue constituyendo una línea cuya característica unificadora es la atenuación del rigor formal, por medio de efusiones cromáticas. Lo que años más tarde el critico de arte y poeta surrealista Aldo Pellegrini llamara Geometría sensible y hoy encarna Miguel A. Giovanetti.Sus últimas obras, se caracterizan por su estructuración en planos que generan tramados geométricos de singular cromatismo. Entre sus recuperaciones, se ha destacado la «cita de Broadway Boogi-Woogie obra de Mondrian», en las imágenes que compone con fragmentos de diferentes tonos y provocan un efecto de luz sobre la tela.

Entrevista a Miguel Angel Giovanetti en ARSOmnibus

2009-04-30T16:52:00.001-03:00

ENCUENTRO CON EL ARTISTA

por Roger Colom

Hace unos días tuve ocasión de visitar la casa de Miguel Ángel Giovanetti en Caballito, y me lleve una buena sorpresa. No sólo porque él sea una persona agradable, eso en el mundo del arte, como se sabe bien, es lo de menos, sino porque su pintura, tras unos momentos de desconcierto, llegó a interesarme que va más allá de la pintura en sí, hacia la poesía, hacia la música. Esto debería pasar, creo, con cualquier obra de arte que nos encontremos. No tengo fe en la obra pura, la que sólo se abre a sí misma, la obra ensimismada.
Más tarde, habiendo escuchado a Giovanetti, habiendo hojeado los catálogos varias veces, tratando de recordar las sensaciones que su pintura, vista en persona, me provocaba, me di cuenta de que mi pequeña intuición no había fallado.
Lo que hace Giovanetti es una pintura abstracta, geométrica. Tiene otras series, además de la que expondrá en la Galería Ro a partir del 7 de mayo en las que incluye elementos figurativos, retratos, edificios. Pero en esta, los elementos son rayas, rectángulos de color, que a veces recuerdan los papeles pintados con los que se decoran las habitaciones de las casas. Los pinta en varias capas, un rectángulo de color encima de otro de otro color y otro tamaño. Luego viene la operación más interesante, que es cuando empieza a lavar los cuadros, a sacar capas de pintura, de manera que parece que aquel papel de pared se ha ido ajando con el tiempo. Y el resultado es, de verdad, un tratado poético sobre el paso del tiempo, el recuerdo y la aceptación de la vida con esa experiencia y ese conocimiento.
Giovanetti: Evidentemente, una obra de arte cuando está pintada ha sido terminada.
Para mí, al darle el aspecto del paso del tiempo, es como si la obra estableciera una dinámica de lo que fue a lo que es. Como si ese proceso no se interrumpiera nunca. Como si la terminación de la obra no fuera nunca. Siempre se van produciendo distintas degradaciones, y eso lo vinculo al paso del tiempo en la vida humana, la existencia.
Así que la limpieza de líneas del arte geométrico se empieza a deshacer con esa alusión al tiempo. Pero Giovanetti dijo algo que me llamó la atención: "Entonces, yo haciendo esos lavados, esas roturas, ya establezco que el paso del tiempo está implícito en la obra. Es como que a pesar de estar terminándola ya fuera atemporal." ¿Y no es precisamente esa atemporalidad lo que buscan los geométricos? Después de romper con la tradición de la abstracción geométrica, Giovanetti encuentra una manera de entroncar con ella de nuevo.Es como si pintara el futuro de una superficie como si fuera su pasado. La obra de Giovanetti, entonces, recuerda hacia adelante pero, de manera evidente, con conocimiento de causa. Proyecta el pasado hacia el futuro de la misma forma en que todos nos sabemos mortales. Esta proyección temporal asocia sus obras con la poesía, o para decirlo mejor, con lo poético, que depende precisamente de este tipo de proyecciones.
Sin ellas, además, cualquier idea de belleza, la de una obra plástica, literaria o musical, la de un edificio, la del cuerpo humano: si no recordamos el futuro (y aquí me gustaría eliminar cualquier alusión a una película de nombre similar), la belleza sería incomprensible, no sería belleza.
Las obras de Miguel Ángel Giovanetti son bellas, de una belleza tranquila, con la que se puede vivir. Y parece que nos dicen, Sí, con el pasado se puede vivir, y sí, también podemos vivir con lo que la experiencia nos dice que será el futuro.No quiero decir que las pinturas de Giovanetti sean tranquilizadoras, o anestesiantes, sino que abren caminos para que sepamos vivir con lo que la memoria, el recuerdo, tiene de inquietante.No es lo mismo saber que las cosas tienen sentido, aunque lo desconozcamos, que pensar que carecen de él. Estas obras se instalan en esa búsqueda sin aspavientos, sin gritos, sin escándalo. Buscan el sentido de lo que somos (materia en el tiempo, quizás) sin desesperación, con calma, como si él mismo y sus obras tuvieran todo el tiempo del mundo. Así, también, son atemporales.

Montaje femeninoplural

2009-04-14T13:47:00.007-03:00

Carlos Trilnick expone en el California Institute for Telecomunications and Information Technology

2009-04-14T11:51:00.002-03:00

Ya inauguramos!

2009-04-08T16:25:00.002-03:00

Ultima Inauguración del año!

2008-11-25T19:55:00.000-02:00

Dice May:
Desde el año 2005 me encuentro trabajando en proyectos vinculados a temáticas rurales. Los mismos poseen instancias individuales y colectivas y sus contenidos están estrechamente ligados a las estéticas relacionales en algunos tramos de su desarrollo. Mis propuestas suelen funcionar como estímulo de innumerables proyectos vinculantes propios, colectivos y ajenos. Son aprehendidas por personas de muy diferentes perfiles y culturas, funcionando como disparadores que activan actividades, obras y emprendimientos. Todas las iniciativas están atravesadas por el ciclo vital de la naturaleza y mediante múltiples técnicas y soportes intento volver a ligar aquello que nuestra cotidianeidad actual ha divorciado. Pretendo en este camino, mantener una mirada avisada sobre el campo argentino, sus actividades e industrias, su gente, su historia y la relación con el mundo urbano. Vislumbré mediante este tipo de acciones, un indicio de lo que podría ser mi rol social como artista, problemática que acompaña mi trabajo generándome cuestionamientos constantes.

Hermosa nota de Ñ sobre A vuelo de Pajaro

2008-11-22T19:57:00.000-02:00

En busca de otros paisajes
La galería RO convocó a una decena de artistas que realizaron paisajes desde un punto de vista aéreo. Distintas técnicas, las mismas ganas de elevarse.

por Alberto Giduici
Precursora del land-art, la primera intervención sobre la naturaleza concebida para ser vista desde las alturas -las celebérrimas Líneas de Nazca, en Perú-, ocupa una inmensa superficie en la Pampa de Nazca. Allí, representaciones de monos, lagartos, colibríes, llamas, símbolos diversos, fueron dispuestos para un único y privilegiado espectador posible, Inti, el dios Sol, pero los hacedores de esta enigmática obra nunca pudieron ver el vasto panorama que legaron como un rompedero de cabeza todavía sin descifrar.
Los humanos, sabemos, siempre buscaron vencer la ley de la gravedad y elevarse; y los artistas, eludir la visión rasante, un tanto chata, del paisaje. Hasta que Nadar pudo sobrevolar en globo y tomar las primeras vistas aéreas, un cerro, una loma, la torre de un castillo, eran ubicaciones ideales para capturar el hormigueo de la naturaleza y del hombre desde ángulos en picada más sugestivos.
La galerista y curadora Roxana Olivieri decidió rendir tributo a esos afanes, con obra de artistas argentinos. Con aguda sensibilidad reunió un conjunto diverso en cuanto a técnicas, procedimientos, motivos e intenciones pero con un elemento común que explicita el título de la muestra: A vuelo de pájaro. En la pequeña sala de la galería RO, con su gran frente vidriado sobre Paraná, conviven y dialogan obras de Carlos Alonso, Juan Doffo, Andrea Juan, Félix Rodríguez, Andrés Labaké, Esteban Pastorino, Juan Travnik y el Complejo Cultural integrado por artistas, ingenieros agrónomos y agricultores del partido de Nueve de Julio.
Este último grupo nos lleva al comienzo de la nota, a las Líneas de Nazca. "Fin zona urbana" es una intervención en la naturaleza realizada en la estancia La Catita, bajo la dirección de May Borovinsky. A partir de tomas aéreas, en 76 hectáreas, los participantes del proyecto realizaron una cuadrícula con una decena de diseños diferentes con cultivos de soja, maíz y girasol, en una ofrenda a esos seres anónimos que siembran los campos y crean formas y colores que después uno, desde un avión, exclama sorprendido: ¡Si parece un Mondrian! Una serie de fotos sigue el recorrido temporal que arrancó en octubre de 2005 para concluir en abril de 2006.
Hay otras visiones desde el aire cuando desciende un avión, en que los autos y las calles, los edificios o las pistas de aterrizaje parecen de juguete. La toma fotográfica de Pastorino, "Cuatro vientos", transita esa ambigua frontera donde realidad y simulacro desdibujan sus contornos. En cambio el mundo real, la Antártida y los riesgos que enfrenta por el calentamiento global, y una imagen virtual amenazante sobre-imprirniéndose, cercana al fuego, aparece como una clara señal de peligro: una constante en la obra de Andrea Juan. El fuego también es protagonista habitual en Doffo. En "Suspensa eternidad que cae", 2007, el lienzo está cargado de violentas tensiones lineales sobre la curva superficie de la tierra, mientras las llamaradas se pierden en el cielo. Por el contrario, "Jerusalén desde el aire", de Alonso, transmite una bucólica calma, al igual que la playa de Claromecó, vista por Travnik desde un médano, envuelta en aires apacibles. "Un Dique seco", la obra de Félix Rodríguez realizada en carbonilla, adquiere una inusitada potencia desde el aire mientras tonalidades doradas se pierden al infinito en la pintura de Labaké.
Olivieri colocó las obras a cuarenta centímetros del suelo, trazando una única línea perimetral que recorre las tres paredes de la sala, formando una suerte de panóptico. Es casi una "trampa" al espectador que así, en la percepción del conjunto, se siente por un momento como si levitara y fuera, él también, parte de esas sutiles visiones a vuelo de pájaro...
Revista Ñ
año VI n°269, 22 de noviembre de 2008, sección arte, página 32

este viernes, Chandon y Gallery Night

2008-10-30T20:00:00.003-02:00

Los esperamos este viernes 31 de octubre 19hs en el Gallery Night para compartir una copa de Chandon viendo las obras de Carlos Alonso, Juan Travnik, Esteban Pastorino, Andrés Labaké, Andrea Juan, Félix Rodríguez, Juan Doffo y Fin Zona Urbana en A vuelo de Pájaro.

A vuelo de Pajaro en Leedor.com

2008-10-30T19:58:00.003-02:00

Ingresando en este link podrán leer la hermosa nota que escribió Kekena Corbalán sobre la muestra "A vuelo de pájaro"

a 40 cm del piso... el montaje de A vuelo de Pájaro

2008-10-29T17:43:00.000-02:00

Carlos Trilnick en Espacio Fundación Telefónica

2008-10-24T17:48:00.001-02:00

Los esperamos hoy para la inauguración!

2008-10-22T15:23:00.001-02:00

Fiesta de Cierre - Soho Telo Muestra

2008-09-05T18:12:00.004-03:00

Mañana sábado es la fiesta de cierre de Soho Telo Muestra, habrá amigos, música y Chandon.
Además, es la última oportunidad de ver la interveción de Gabriel Grün.

Hermosa crítica sobre "Detrás del Círuclo Polar"

2008-09-03T12:32:00.000-03:00

por Luis Espinosa

Cuando Mary Shelley escribe Frankenstein está pensando en otra cosa muy distinta de la que pensaron los productores de Hollywood cuando leyeron el libro.
Estos se esforzaron por hacer una morbosa descripción del monstruo. Aquella necesitó sólo la presencia monstruosa, sin detalles, para contar en una historia dentro de otra, la vivencia espiritual de Robert Walton.
Ese relato, como las imágenes que hoy nos ocupan, transcurren desde un barco en el blanco frío hielo del polo.
Lejano lugar inalcanzable, para Shelley, el polo Norte.
El polo Sur, deseado paisaje de la Antártida, capturado, condensado por la mirada y los rápidos y certeros movimientos de la mano de Marina Curci.
La pintora había mostrado antes una evidente maestría en el uso de la témpera y la acuarela, destacada discípula del maestro Guillermo Roux.
Lograba en sus trabajos una imposible descripción de la realidad, una emotiva llegada a las cosas.
Pero el mar que la llama desde su propio nombre, le tendría deparada una aventura más allá del confín, tanto del mundo conocido como de los límites de su propia pintura.
Una misteriosa atracción la llevó a interesarse por el rompehielos Almirante Irízar, lo deseó, tal vez intuyendo que allí se escondía la clave para desentrañar un nudo.
Lo dibujó con minuciosidad conociendo sus entrañas. Hasta que logró partir como pasajera en un viaje al sur, que pasaría el paralelo del círculo polar.
No lo emprendió como un viaje de turismo sino que enfrentó al frío con un trabajo febril que tuvo como fruto más de doscientas obras. En cubierta, al aire libre, detrás del vidrio del puente de comando, envuelta en abrigos o la pintura congelada en la punta del pincel. Insoportable el frío, inabarcable la belleza del paisaje.
Marina buscaba ya no el dato riguroso al que su técnica la tenía acostumbrada, sino el límite, la superación del límite, impulsada por un deseo imperioso, una urgencia. ¿Por qué esa necesidad de ir a buscarlo tan lejos? Algo había allí que no podría encontrar en ningún otro lado del planeta. Y se lanzó a traerlo, nos lo trajo.
El catálogo, excelente, editado por la Galería RO con texto de Laura Malosetti Costa, muestra indicios de un diario de viaje, registro de de acontecimientos y lugares, que nos deja con la sensación de que cada anotación verifica que ahí no está realmente lo que se estaba buscando. Estas obras no son la crónica de un viaje, si entendemos por viaje: ir en barco a la Antártida. El viaje es en otra dirección pero realmente se descubre, se percibe en su verdadero sentido, sólo al enfrentarse con aquella inmensidad, con la sutil diferencia de colores en las que se descompone el blanco y el azul.
Y aquí retomamos la cita de la novela de Shelley. En ella podemos vislumbrar la trama más fina, que se aleja de la espectacularidad del monstruo maquillado. Robert Walton, un marino, en un viaje riesgoso en busca de la gloria se enfrenta ante su propio límite e imagina, inventa tal vez, y escribe en su diario una historia que es a la vez una reflexión sobre una toma de decisión. Su propio monstruo interior, lo acosa y pretende destruirlo, él lo nombra como el relato de Víctor Frankenstein pero es ante sí mismo el enfrentamiento. Cuando logra aceptar su propia contingencia, lo que consigue es ese renunciamiento que lo libera y a la vez lo potencia, descubriendo el momento de regresar a casa. Transfigurado.
Marina teniendo la capacidad del máximo despliegue, se sumerge en el silencio más íntimo y todo lo que podría haber dicho con mil recursos se termina concentrando en un sólo gesto. Lo consigue de un modo sorprendente en las más simples y abstractas acuarelas que se acercan a lo real, alejándose.
Todo con nada, nos transporta hacia el desafío de enfrentar a nuestro propio monstruo, alienta la valentía de llegar al silencio más profundo.
Podría pensarse: paisajes, otra muestra más de paisajes, con el agregado pintoresco de lo exótico. Pero no.
No parece una muestra más. Estas pinturas nos colocan en el límite mismo de la experiencia humana y precisamente por ser paisajes, por lo que se pinta evitando pintar, por su silencio monumental, por pararse al borde del ser o no ser, revierten en interioridad. Dejan de estar afuera para ser contempladas y se expanden adentro como conceptos visuales que la mente elabora para entenderse o mucho más allá, para animarse.
Dicen los que estuvieron: La Antártida es así, esa emoción.
Saben los que no estuvieron que no importa tanto cómo es o no es el continente blanco; más importa verse reflejados, como realmente somos, cara a cara con la desnudez de esas pinceladas. Motivados por eso, emprendemos el viaje.

[publicada en ramona]

Fotos de la Inauguración de Marina Curci

2008-09-02T18:55:00.007-03:00

Marina Curci dando una visita guiada durante el Gallery Night

Orlando Interlandi (Jefe de la Base Belgrano II), Marina, Roxana y el Comandante Guillermo Palet

el maestro Roux, Marina Curci y Roxana Olivieri

Roxana Olivieri y Damián Scher, directores de la galería, con Marina Curci

Bety, Glacióloga del Irízar y Marina Curci

Franco, la nueva generación de galeristas

Estamos de Montaje

2008-08-26T16:02:00.000-03:00

Del 26 al 28 de agosto estamos montando la muestra de Marina Curci "Detrás del círuclo polar".

Inauguración de Marina Curci!

2008-08-25T16:34:00.001-03:00

Los esperamos este viernes para la inaguración en el marco de Gallery Night

Serie de obras realizadas por Marina Curci en Antártida a bordo del
Rompehielos Alte. Irízar en enero de 2006.

Nota sobre Marina Curci en Edición Nacional

2008-08-23T19:22:00.000-03:00

Diario Edición Nacional
21 de agosto de 2008, página 9

Nota sobre Emma Livingston en The Argentimes

2008-08-22T19:26:00.000-03:00

The Argentimes
21 de agosto de 2008, página 13

Los esperamos hoy en Soho Telo Muestra

2008-08-14T19:33:00.001-03:00

Texto de Alina Tortosa sobre "a secret garden" de Emma Livingston

2008-08-08T15:42:00.000-03:00

Time present and time past
Are both perhaps present in time future,
And time future contained in time past.
T.S.Eliot

En primera instancia, Emma Livingston (1976, Paris) recorrió la Reserva Ecológica a orillas del Río de la Plata ensimismada. Es decir, sumida en sus pensamientos, a la búsqueda de un tema que la provocase a enfocar su cámara.

La Reserva es el terreno rescatado de basurales urbanos, en los que se depositaban los escombros y deshechos de construcción y la basura de los vecinos.

Su mirada recorrió distraída la vegetación que cubre los orígenes espurios, sin comprometerse. Le llevó más de una visita abstraerse de los sonidos bullangueros de la ciudad, de la polución ambiental y de la energía conflictiva de algunos habitantes y descubrir el misterio dentro de esos espacios verde abiertos. Descubrió lo que en literatura se llama sinécdoque: la parte que representa el todo o el conjunto. Fue la aprehensión o visión parcial, alguna planta, algún montecito, que la llevó a tomar fotos, llegando a su actual ensayo: El jardín secreto.

En sus fotos las ramas y las hojas tejen espacios sobre un fondo de sombras. La composición se resuelve en un encaje sutil y denso a la vez, en tonos de verde y en todas las tonalidades de la tierra, entre los que la oscuridad insinúa recelos y temores. Es una visión dionisíaca de la naturaleza en la que el bien y el mal se entrelazan. Recuerdan algunas pinturas o tapices antiguos, particularmente florentinos, sin dejar de ser una referencia relevante de un paisaje contemporáneo.

Tiempo presente y tiempo pasado / Ambos presentes en un tiempo futuro / Y el futuro contenido en el pasado. Siguiendo el pensamiento de Eliot, todos los tiempos se diluyen en un tiempo que nos incluye e incluye nuestra historia entera. Lo que fue, lo que es y lo que se proyecta al futuro, que también es nuestro pasado. Paisaje, evolución, compromiso ético y estético. Lo que vimos, lo que vemos y lo que quisiéramos ver se conjugan en las imágenes profundamente poéticas fotografiadas por Emma Livingston.

Alina Tortosa

Buenos Aires

Junio 2008

Gabriel Grün sigue trabajando intensamente para Soho Telo Muestra!!!

2008-08-07T15:28:00.007-03:00

Al respecto de su intervención en la habitación 103 nos dice:

Quise interpretar la cotidiana unión de los sexos que se produce en un albergue transitorio de la manera más espiritual y simbólica posible, corporizando el aspecto potencialmente elevado del coito, remitiendo en particular a una figura proveniente del lenguaje icónico de la alquimia, el hermafrodita como expresión de la unión más general de los contrarios en la síntesis de un solo cuerpo. Se trata de poder pensar ese nivel simbólico en la propia vida, tomando la alegoría como mecanismo para la reflexión acerca de qué se hace, qué energías se ponen en juego, en el acto sexual. El lugar de la habitual relación fugaz presenta una buena oportunidad para esta contraposición.
Respecto a lo formal mi idea es proyectar en el espacio, en profundidad, la descomposición de una pintura hecha de la manera tradicional por capas de veladura, sustituyendo en este caso las veladuras por láminas de pvc flexible, como cortinas de baño, que ocupan la totalidad del cuarto. El cuerpo y las distintas etapas de un paisaje extenso en recesión se colocan sucesivamente en profundidad y permiten un juego de volumen para la percepción del espectador, y muchos cuadros posibles.

Los esperamos el jueves 14 de Agosto a las 19hs en el ex-Hotel Alojamiento "Pussy-Cats" (Paraguay 4747 - Palermo Soho)

Fotos de la Inauguración "a secret garden"

2008-08-06T14:51:00.004-03:00

Adelanto: Gabriel Grün en SOHO Telo Muestra

2008-07-28T14:46:00.003-03:00

Por segundo año consecutivo se realiza SOHO Telo Muestra, una propuesta de arte al día en la cada artista intervendrá una habitación de un albergue transitorio de Palermo.
Este año, la elección de los artistas fue por parte de las galerías, y RO eligió a Gabriel Grün.

Aquí les mostramos un adelanto con los bocetos que Gabriel está preparando.

La muestra inaugurará el 14 de agosto a las 19hs en Paraguay 4747.

Los esperamos hoy!

2008-07-25T15:12:00.001-03:00

Preview catálogo "a secret garden" de Emma Livingston

2008-07-24T15:03:00.001-03:00

Adelanto: "a secret garden" de Emma Livingston

2008-07-17T13:08:00.007-03:00

‘Siguiendo una línea de trabajo constante en su obra: la búsqueda y la investigación de paisajes exteriores, Emma Livingston recorrió la Reserva Ecológica de la ciudad de Buenos Aires a orillas del Río de la Plata enfocando las luces y sombras de este parque extemporáneo. Su ensayo fotográfico ilustra un jardín encantado, misterioso y sensual, cuya belleza enmascara sus orígenes conflictivos de basural contaminado.’

Alina Tortosa

curadora

Última semana para visitar íntimo/éxtimo

2008-07-14T14:00:00.003-03:00

Los esperamos hasta el viernes 18 de julio para visitar la exitosa muestra de Ana Lía Werthein y Santiago Raffo.

Ana Lía Werthein y Santiago Raffo en Estilos

2008-07-03T12:28:00.003-03:00

íntimo/éxtimo por Rodrigo Alonso

2008-07-02T18:09:00.004-03:00

A lo largo del tiempo, el arte ha diseñado diferentes estrategias para abordar o exteriorizar la intimidad. Algunos artistas han buscado las formas de conectar al espectador con su mundo interior sin mediaciones, imaginando una obra que funcione únicamente como un canal de comunicación entre la mente del creador y la del receptor; sin embargo, la vía de la representación, es decir, la plasmación de ese mundo en un objeto o imagen externa, no es menos pertinente ni efectiva. La historia del arte nos ofrece los ejemplos más lúcidos y vívidos de un objetivo emprendido con frecuencia, que ha dado vida a las imágenes más memorables de nuestro pasado visual.
Ana Lía Werthein y Santiago Raffo encaran nuevamente la tarea de plasmar ese mundo de la interioridad y de los afectos. Para hacerlo, recurren a unas imágenes que no parecen inmediatamente íntimas, sino más bien exteriores, incluso algo distanciadas. Werthein presenta escenas rurales capturadas a la distancia, desde una perspectiva aérea, con la frecuente aparición de una avioneta que sobrevuela el paisaje interminable. Santiago Raffo nos enfrenta a cuerpos desnudos y rostros frontales, sobre un fondo blanco neutro que descontextualiza las figuras aislándolas de sus espacios vitales. Sin embargo, una y otro parten del registro de su entorno inmediato y de su intimidad. Werthein lo hace recurriendo a los recuerdos de la infancia, cuando acompañaba a su padre en la inspección de las extensiones rurales. Sus imágenes son imágenes de la memoria entrañable, del sentimiento y la evocación, estampas de un pasado que se hace presente como medio para transmitir la potencia de lo añorado, transformado en material para establecer un vínculo con el espectador.
Santiago Raffo parte del retrato de sus amistades, de las personas que lo acompañan a lo largo de su vida. En ellos aparece el artista como en un espejo, en sus miradas pero también en la minuciosidad con que ha querido retratarlas. Así, el universo personal encuentra constantes y diferentes vías de expresión. El recuerdo y la realidad cotidiana, el pasado y el presente, se aúnan en una propuesta que revitaliza, explora y profundiza, el incesante reencuentro del artista consigo mismo.

Rodrigo Alonso
Texto para el catálogo

Los esperamos en el Gallery Night!!

2008-06-23T18:42:00.000-03:00

Montaje íntimo/éxtimo de Ana Lía Werthein y Santiago Raffo

2008-06-19T12:48:00.007-03:00

Aquí unas fotos para poder hacer un "recorrido virtual" de la muestra. Para ver más imágenes de las obras y conocer sobre los artistas visite nuestra web.

Ana Lía Werthein en Estilos

2008-06-18T18:07:00.001-03:00

La presentación del libro de Ana Lía Werthein en el Malba en un reportaje en Estilos:

Invitación Inauguración: Ana Lía Werthein+Santiago Raffo - íntimo/éxtimo

2008-06-10T20:14:00.004-03:00

Preview Catálogo Ana Lía Werthein+ Santiago Raffo . íntimo/éxtimo

2008-06-10T18:33:00.003-03:00

Aquí está el el preview del catálogo de la muestra de Analía Werthein y Santiago Raffo "íntimo/éxtimo" que inaugura el 18 de junio 19 hs.

Carlos Trilnick en Galería Hard Core Art Contemporary, Miami

2008-06-09T17:29:00.004-03:00

Emma Livingston en Lens Culture

2008-06-06T17:24:00.001-03:00

Lens Culture, revista francesa dedicada a la fotografía y el arte contemporáneo, publicó este mes una nota sobre la serie "Urban tree portraits" de Emma Livingston.

Para ver la serie y la nota, hacer click aquí

Aníbal Garfunkel con Lalo Mir

2008-06-04T18:06:00.001-03:00

El 11 de junio a las 20 hs. por canal 7, Aníbal Garfunkel estará junto a Lalo Mir en su programa La Vida es Arte. Allí hablará de "Black Water" la impactante serie de obras realizadas con brea y pintura asfáltica que está exponiendo en nuestro espacio hasta el 13 de junio.

arteBA 2008 - El Péndulo Pluma de Alicia Antich en LNTeve.com

2008-05-30T18:25:00.003-03:00

Alicia Díaz Rinaldi en el Museo López Claro (Azul)

2008-05-27T17:54:00.001-03:00

Dos en Uno, la exposición que Alicia Díaz Rinaldi presentó en abril en nuestra galería, podrá ser visitada a partir del 30 de mayo en el Museo de Arte López Claro en Azul, Provincia de Buenos Aires.
La muestra está abierta hasta el 18 de junio en Av. Mitre 410.

Posteriormente la muestra viajará a Corrientes y podrá ser visitada del 17 de octubre al 11 de noviembre en el Museo Provincial de Bellas Artes "Dr. Juan R. Vidal".

Esta serie de Díaz Rinaldi fue muy elogiada por la prensa y los críticos, y fue muy bien recibida por el público. Felicitaciones Alicia, y bon voyage!

arteBA2008 Stand G52

2008-05-27T11:22:00.000-03:00

En arteBA'08 estamos en el stand G52 con las obras de Silvia Rivas, Carlos Trilnick, Alicia Antich , Pilar Ferreira Peltzer y Alfredo Prior

Montaje arteBA 2008

2008-05-26T18:11:00.000-03:00

Los esperamos en arteBA'08

2008-05-23T19:59:00.000-03:00